雲雨情拍得怪又美，肯定觀眾最愛看。
雲雨情是人生大事，初識雲雨情，有人興奮，有人惶恐，有人打顫，有人狂喜…不論你是什麼反應，記憶肯定都是深刻的。
雲雨情是凡人大愛，有人看不懂藝術片，卻不致看不懂色情片，所以，電影再不景氣，Ａ片生機卻依舊繁榮。
雲雨情拍得好，更正確地說，拍得聳動，電影聲勢和票房一定不會差。
梁家輝和珍．瑪奇合演《情人》時，莒哈絲的原著精神和文化趣味全都不是重點，大家忙著比較梁家輝的臀形美不美？翹不翹？還有呢，則是運用放大鏡和想像力，仔細端詳著他是不是來真的？
莎朗．史東主演的《第六感追緝令》，光是第一場鏡床床戲，就唬得觀眾一楞一楞的，再赤身從床下拔出冰鑽猛刺下去時，則是色情加血腥之大成了；同樣地，後來麥可．道格拉斯照著她的性愛規則上了手銬演床戲時，觀眾一面忙著看她的肉身，一身則是擔心著她何時俯身拾鑽往下刺了。
巫山雲雨，神人共愛。床戲只要拍得不噁心，再加上大牌明星擔綱，就一定會看得人目瞪口呆的。這一點，伍迪．艾倫也懂，《愛情決勝點》中，不該相愛的男女主角硬是雨天在麥田相會時，來不及躲雨，來不及覓地，草地野合成了情欲高張時最直接，也最明快的出口。
接下來，只要是房間私會，兩人只要做出急著互脫衣裳的動作，不必再荷槍實彈衝鋒陷陣，觀眾已能心領神會。
比較特別的床戲是大衛．柯能堡的《暴力效應》。
柯能堡喜歡拿器官做文章，而且性暗示的境界與層級遠非凡夫俗子所能想見。例如《ｘ接觸：來自異世界》中在人體神經尾錐打洞，插著電纜就能進入電子遊戲世界 的概念，其實是非常明顯的性器官做性接觸的意象衍伸，而且一通電就能在異世界裡各種飄飄欲仙的享受，和雲雨情的天人合一相差無幾。
至於《超速性追緝》中金屬肉身，和速度碰撞的性高潮，更是心靈和肉身欲望的另類痙攣，既匪夷所思，又讓人歎為觀止，從演員到觀眾都不得不佩服這種鬼才心靈。
《暴力效應》的床戲有兩場，一場是老夫老妻的男女主角維果．莫天森和瑪莉亞．貝羅在孩子不回家吃晚飯的空檔回家做愛，還打扮起高中啦啦隊的青春造型重溫少 年癡夢，那場床戲是故意讓你以為他們真的只是一對既平凡又無聊的小鎮夫妻（事實也沒錯），後來劇情一路失控，瑪莉亞才發現她的丈夫瞞了她太多事，明明朝夕 相處了十多年，其實根本不明白他的過去，不知道他的底細，可是一旦真相揭曉時，她只要攤牌，她只要棄守，真正的輸家才是她，老公沒了，家庭沒了，甚至子女 和自己的小命也可能沒了，除了包容和遮掩之外，她能怎麼辦？但是她的不滿情緒是與日俱增的，最後終於在樓梯間爆發出來，夫妻從打到吻到翻滾到糾纏，那場床 戲全在樓梯上演出。
怎麼可能？你一定會問：「在樓梯上怎麼做愛？」不要問我，我也不知道。可是柯倫堡硬是拍出了這場樓梯床戲，據說《暴力效應》的美工道具還得特地找軟木來搭樓梯，同時還得拆牆才能在樓梯間換鏡位，拍出他們翻來滾去的肢體變化。
這場床戲，一般人會被場景給騙了，因為難度太高了。男女主角拍下來鐵定全身烏紫，但是床戲的焦點不在肉身，而在情緒。
共枕眠的夫妻不能知道彼此的秘密，一定會憤怒，特別是如果涉及惡意欺瞞，就有背叛的感覺，既憤怒又背叛，卻不能發作，只能繼續演戲，繼續容忍，偏偏被懷疑 背叛的丈夫又無意背叛，有秘密不說，不代表欺瞞，只是不說而已，只是不想面對舊傷疤而已，偏偏人在江湖，身不由已，他也有激憤情緒。這時，火雷震山海，一 點都不意外，最意外的是明明在樓梯間發洩了欲望，你猜是誰推開誰？憤怒起身？
光是《暴力效應》這場床戲，柯倫堡就已經展現他高超的情愛功力，過去或許孤芳自賞，或許曲高和寡，《暴力效應》卻讓你一眼就看到平常人生中的深刻人性呢。
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今天在電視上看到一位我不認識的澳洲「鱷魚先生」，卻想起了我曾經採訪過的一位「鱷魚先生」。
凡人的愛情，總是悄悄地來，又悄悄地走，看不清楚，也捕捉不到，用「春夢了無痕」來形容，大致是貼切的。
十二年前，我曾經在坎城影展訪問到了以《鱷魚先生》走紅歐美的澳洲男星保羅．侯根。我始終沒搞不懂這位長相不很帥，當過游泳池救生員，也主持過電視節目，氣質很有「澳客」（這是我發明的名詞，可以用「台客」的俗語來對照參看）味道的男星何以靠著一頂牛仔帽和一些簡單的鄉野笑話就紅遍半邊天，所以也找不到什麼有野心的話題來採訪他，我的選擇是「硬」不起來，就來比比「軟」吧！問不出什麼嚴肅話題，就改朝八卦切入吧。
我的問題是：「你拍完《鱷魚先生續集》後和髮妻離婚，娶了片中女星琳達（Linda Kozlowski），可是此後，你們就不再合作了，為什麼？」
表面上看起來，這個題目平平淡淡，沒有什麼特殊，問題的核心卻是把歐美影壇對他「見異思遷」的批判，換成八卦的輕鬆方式來探探他的底。因為，保羅．侯根的糟糠妻是標準的蒼老矮胖的黃臉婆，1984年《鱷魚先生》莫名其妙爆紅時，他還很驕傲地擁著黃臉婆一起拍照，畢竟，他們曾經共同走過一段患難歲月。
可是，人紅了，情就變了。愛情和友情的下場都差不多。
勢利的人，不念舊情，只圖順遂，只會嫌友伴老土寒傖見不得世面，渾然不記得自己也是那樣走過多少風雨，也不在意是不是曾有兒女，曾有多少的海誓山盟，《秦香蓮》的陳世美如此，《西廂記》的張君瑞亦如此。保羅．侯根就跟陳世美和張君瑞沒有什麼不一樣，猛然走紅，就貪新戀色，把老婆全都忘了，只急著要和《鱷魚先生》的女主角琳達共享富貴，所以很爽快地付出大筆贍養費，離了婚。但是，保羅．侯根走紅的時間很短，兩部《鱷魚先生》後，他的鴻運就用完了，新片不再靈光，連以為琳達是他走老運的「福星」，卻也不再能帶給他任何幸運手氣了，兩手空空的保羅，實際只贏得了銀河薄倖男的醜名。
1994年的《閃電傑克》坎城宣傳會上，我看到了一位即將過去的昔日紅星，戴著他的註冊商標─牛仔帽和緊身牛仔褲，擺出各種姿態正在做最後掙扎，但是他回答我那充滿挑釁和地雷陷阱的問題時，卻還是真誠，而且有智慧的。
縐紋很深保羅的回答是：「因為世間男女一旦結婚了，有些戀愛的感覺就不見了。觀眾就再也接受不到來電的訊息了。」
我並不相信婚姻是愛情的墳場，保羅的回答未必是真理，卻是很有趣的觀影心理學，關鍵在於歡眾的夢幻心理學，「當你和她還是情人時，大家對於你們的關係充滿期待，要愛要恨要吵要鬧，再白爛的劇情都很迷人。」保羅接著說：「可是大家都知道你們結婚成了夫妻後，再演任何調情戲都不對了，早就已經近水樓台了，怎麼還會有釣你胃口的調情戲？演愛情戲，不再有說服力，即使生氣鬥嘴，觀眾也不信了，例如唐．強生和米蘭妮．葛里菲斯、歌蒂．韓和寇特．羅素、湯姆．克魯斯和妮可．基嫚這些著名的好萊塢影色夫妻都一樣，明明是同床多年的夫妻，就算再會做戲，就算劇情寫得再迷離，再曲折，再也沒人信，沒人看了，」
保羅的真心話，可以由《史密斯任務》得到印証。電影上映前，布萊德．彼特和安潔莉娜．裘莉兩人情各有所歸，但是來電偷情的消息從拍片現場就始終沒斷過，銀幕上打得兇愛得深，一颦一笑都有吸引觀眾對號入座的趣味，電影大賣，他們也各自結束前一段情緣，共效于飛，甚至即將做爹娘了，紅塵滾滾終告平息後，你還會想看他們兩人在銀幕上男歡女愛的偷情戲嗎？他們還敢再拍《史密斯任務第二集》嗎？還不如合演《不可能的任務第四集》吧！
朝夕相處就容易近水樓台，就會讓很多人起異心，生二志，電影和人生，在這一點上其實是很相似的。
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電影中常常暗藏密碼，等待著知音，也任憑誤讀…。
看完《慕尼黑》最後的哈德遜海岸風景，你一定會看到世貿中心的雙子星大樓。
看到，不難，好玩的是，你看到時想的是什麼？
有朋友說，他想起了《人工智慧》中，最後地球文明毀滅了，外星人找到了小男孩，回到被水淹沒的紐約市，雙子星大樓被大淹了一大半，文明已毀，但是樓依在。可是，真實人生卻是文明依舊在，大樓無處覓。
有朋友說，史匹柏真厲害，雙子星還沒倒塌之前，就已經先拍了這場戲，熬了這麼多年，終於推出了《慕尼黑》，拍電影真辛苦，五六年才能成就一部電影。
他沒有看出那是電腦特效的合成效果。不是每個人都是專家，都能一眼辨真偽，但那也代表著特效驚人，栩栩如生，以假亂真。
也有朋友說，那有雙子星，我怎麼沒看見？……我只能啞口無言，別無一詞可回應了。
問題是，雙子星大樓在片尾出現有什麼意義？
就寫實面來說，《慕尼黑》的奧運悲劇發生在1972年，雙子星大樓則是在1973年竣工，這幢415公尺高的大樓當時被封稱為二十一世紀的第一大樓，《慕尼黑》暗殺小組的復仇任務在歐陸幾年殺伐，男主角艾弗納從老婆懷孕一直到紐約相會，女兒已經能跑能跳了，少說也有五六年的時光了，雙子星大樓的出現有反應時代的寫實証物功能。
就暗示意義來說，雙子星大樓的匆匆一瞥，就是史匹柏言盡於此的電影密碼。
《慕尼黑》中，史匹柏努力讓以色列人的憤怒先做充份的主張，所以才有總理梅爾夫人所說的：「Forget peace for now. We have to show them we're strong.（忘掉和平吧，我必需証明我們的強大。）」，才有情報局首領所說的：「We kill for our future. We kill for peace.（我們為未來殺人，我們為和平殺人）。」
指著別人的鼻子罵別人愚蠢，通常不會有好效果，只會更添仇恨；不准別人說真話，通常也不會讓人服氣，只會累積怨懟；台灣的矛盾來自政客撩撥的族群衝突，中東的爭戰，來自歷史、宗教的血海記憶，《慕尼黑》如果以牛仔姿態來拍，只能火上加油，更添敵對，史匹柏無意陷入無間輪迴，他採取的手法則是「盍各言爾志」，以色列人受害，巴勒斯坦人也受創，可是大家無非都是想要個安身立命的家而已；猶太人有情緒，回教徒也有意見，連事不關己的法國人也會嘰嘰喳喳地說上：「Oh, we are tragic men. Butcher's hands, gentle souls（我們都是悲劇人物，屠夫的手，溫柔的靈魂。）」所以殺人者，人恆殺之，而且在「以眼還眼，以牙還牙」的過程中，血性與濁氣遮蔽了靈性，正義與劊子手的界線，再也不是那麼清楚可見了。
所以，艾弗納退居紐約後，他就是擔心他曾經效忠的國家會不會殺他滅口？單向領導的情報局長官肯去紐約探視焦慮的他，只承認公誼，卻不肯去他家做客，不肯接納他的私情。他們的遇合無關友情，純粹只是曾經信仰的道義，那是公私分明的絕情寡義。這個時候，再說什麼話都已多餘了，鏡頭慢慢拉開，河的彼岸，遠遠地矗立著雙子星大樓。然後，字幕浮現，以色列的《慕尼黑》復仇行動鎖定了十一位元兇，一共殺了九位…。
可是呢，2006年看到《慕尼黑》的觀眾卻清楚地從雙子星大樓的影像中，想起了「眼看他起高樓，眼看他樓垮了」的那句古話，是誰炸毀了雙子星大樓？是《慕尼黑》中的回教「正義」使者的後代？還是他們的復仇火焰？
《慕尼黑》可以在紐約街頭落幕，可以在特拉維夫落幕，可以在巴勒斯坦屯墾區落幕，有太多的選擇，但是史匹柏選在哈德遜河畔，選在雙子星遠遠可見的河岸前落幕，那不是偶然，那不是巧合，那可是要花一大筆錢來做特效的，特效做了，卻不宣揚，相對於《世界大戰》中指桑罵槐地批評美國帝國主義的霸道蠻橫，《慕尼黑》卻選擇了「一切盡在不言中」的含蓄內斂，史匹柏的藝術成就與境界，也就更上層樓了。
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一把槍，一個身份，殺手不想唱輓歌，能唱什麼歌？
初看大衛．柯能堡《暴力效應》的第一場戲，你會以為這是一部冷血殺手的兇殺電影。
看到《暴力效應》的中場戲，你會以為這是小鎮餐館老闆的中年懷舊電影。
看到《暴力效應》的高潮戲後，你卻好像看到一部華文作家筆下那種強調「大隱隱於市」的武俠電影。
這麼複雜嗎？是的，好的藝術作品往往就有「橫看成嶺側成峰，遠近高低各不同」的魅力，不過，《暴力效應》的架構更上層樓，它像條從寒帶高原直奔熱帶雨林的迆邐長河，沿路風景各殊，不到三分之二的高潮戲時，你實在很難摸清楚這回大衛．柯能堡的葫蘆裡賣著什麼藥？然而歷經千山萬水，到達最後出海口時，卻又是氣勢堂堂的磅礴澎湃。這是功力，同樣也是噱頭。
《暴力效應》堪稱是大衛．柯能堡近年來最平易近人，最能緊叩人心的力作，三段式的觀影感受，讓人如洗三溫暖，最後的飯桌團圓，更讓人有「度經劫波親情在」的感歎。
不過，那天在試片室裡看著《暴力效應》時，心裡就一面想著武俠小說，一面想著《慕尼黑》。
為什麼？先說武俠小說。我心中隱隱約約總覺得這位加拿大導演一定是參考了武俠小說，才編得出這麼精彩的「俠隱記」。雖然不像《功夫》那麼壯觀，一座豬城寨裡什麼英雄好像都是隱身群俠，也不像《七劍》，把一個小小武莊改造成天地會的群雄聚義處，一定要烽火連城來殺個雞犬不留。《暴力效應》是個人主義的浪跡風塵，隱身江湖，而且是幾經撩撥都不動聲色，真正做到唾沫自乾，寵辱不驚的高級休養，把最高明的暴力收納進最平凡的軀體裡，建構了西方版的「臥虎藏龍」傳奇。
史記「刺客列傳」，豫讓漆身為厲，吞炭為啞，毀容變聲隱於市，目的只想暗殺趙襄子，是胸懷大志的隱身斂志，紅線女則是夜行千里，寧為主公肝腦塗地的俠女，她在「採菱歌怨木蘭舟，送客魂消百尺樓，還似洛妃乘霧去，碧天無際水空流」的歌聲中退隱江湖，不知所蹤的瀟灑自在，不知羨煞多少人。他們的隱身，不是別有目的，就是淡泊名利，能捨能放，自然而偉大。《暴力效應》卻是一代殺手悔罪懺情，才隱姓埋名，只想做過尋常百姓而不可得，不能像風清揚一樣自由自在，獨孤九劍愛傳不傳。
想到《慕尼黑》，則是想到殺人者人必殺之的殺手輓歌。
《慕尼黑》的愛國殺手，為了以色列而殺人，但是國家明著不能保護你，只能暗著偷埋單，可是一旦任務完成，或是告一段落，是就殺人滅口？還是可以隱姓埋名，安養天年？
外國人不必熟讀「狡兔死，走狗烹，飛鳥盡，良弓藏」的中國古訓，知道太多秘密的人，本來就不太容易有好下場，《慕尼黑》的復仇行動執行者是國家機密任務的走狗，就算大功告成，一家人都躲到紐約，也難免風聲鶴唳，杯弓蛇影的恐懼，何況只是一位洗盡血腥，想要從良的黑道殺手。只要身份曝光，有仇報仇是必然的人性邏輯的，既然躲不掉，就要比以往還要狠心地迎接考驗。
然而，中國武俠小說通常簡化了隱身英雄的心裡惆悵與糾結，真相大白時，俠義之風總是備受讚揚，《暴力效應》則是回到家人，有一天，當你發現至親至近之人騙了你一輩子時，你會怎麼面對這件事？攤牌？決裂？未免太無情；忍氣？吞聲？未免太慈悲了…問題是，每個人心中都有不可告人的秘密，我們不希望親人有秘密，但你又如何面對他不可告人，卻不得不告人的秘密呢？這時，拿《隱藏攝影機》來對照看，趣味就更多元了。
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詩人墨客愛用典，以顯示自己品味不凡；電影導演愛用典，或者用斑駁老舊，可以呈現什麼樣的質感呢？
在白話文中夾帶文言文，或者是引用古人名言，不管是談話間，或是寫文章時，通常是作者要顯示自己博學多才，而且才思敏捷，隨時都能旁徵博引，瀟灑用典，一旦運用得妙，還真有畫龍點睛之效。
精緻的文言文，因為字少情長密度高，用得巧用得妙，確實有餘蘊無窮裝飾功能，但是用得太多，就顯得太矯情，太炫耀才情了，太急著要拉抬自己的下巴了。
電影中呢，偶而淡淡地掉一兩句書袋，其實沒有什麼不好，反而讓人回味無窮，例如《情癲大聖》引用張小嫻的一句：「世間最遠的距離，不是我站在你面前而你不知道我爱你，而是明明相愛，却不能在一起！」就浪漫到極點；伍迪．艾倫在《愛情決勝點》中就引用了希臘悲劇家蘇弗克里斯（Sophocles）的名言：「未能出生在人世，或許是最大的恩賜。」讓殺掉自己孩子的負心漢有藉口來缷責，即使多數人都和我一樣完全不知道這句話的典故出自蘇弗克里斯的那本劇作（不知是不是《伊底帕斯王》？），但在此情此景下，這句古話，就有韻味四溢。
同樣地，電影中善用 老歌，功用也有多重。王家衛最愛用老歌讓你聽見他迷戀的六０年代；蔡明亮則愛在電影散場前，神來一筆，用老歌畫出生命彩妝，用古典音樂或歌劇音樂，亦有異 曲同功之妙，《遠離非洲》中的莫札特音樂，一定要用留聲機播放，才有年代神采和異國風味；但是馬斯卡尼的《鄉間騎士間奏曲》則是要極盡華麗能事，才能突顯 《陽光燦爛的日子》的青春凶猛；莎莉．波特的《縱情四海》大唱猶太文的《採珠人》詠歎調「依舊在我耳旁縈繞」，剛巧呼應了猶太人的悲情；《2046》中的 《諾瑪─聖潔女神》則是體現王菲徘徊在父仇和私愛的矛盾漩渦。
伍 迪．艾倫的《愛情決勝點》原聲帶中都是知名的歌劇音樂，然而版本很另類，不是當代男高音的清晰版，而是一代歌王世卡羅素的珍藏歷史錄音，斑駁、沙啞的留聲 機音響，將威爾第、比才、董尼采第、羅西尼的歌劇詠歎調一首接一首地唱了出來，其中，董尼采第的《愛情靈藥》中的「一滴情淚」更是在情緒激昂的時刻，重複 出現了四五次，清脆的鋼琴聲在留聲機的鋼針唱頭下滑唱出：「一滴隱密的淚珠，在她眼中湧出…只要一下子，讓我感受到她美好的心跳／讓我的歎息和她的歎息輕輕混合／心跳，我感受到心跳／讓我的歎息和她的混合／我再也無所求。我可以死了／可以為愛而死了。」那是多淒涼，多古典，又多曖昧的情緒啊？
伍迪．艾倫可以用現 代版本的精緻音樂卻不用，留聲機的古老斑駁其實是呼應著電影的主題，男人為了榮華富貴，不惜踐踏自己的尊嚴，不惜背叛清貧時的摯愛，中國戲曲中的《玉堂 春》、《蘇三起解》和《王寶釧》都有主題近似的變調，這種見利忘義的愛情是見怪不怪的人性本色，即使時空座標換到了當代倫敦，即使換穿上楚楚衣冠，依舊只 是人間悲喜劇的反覆輪迴而已，人是新的，感情卻是舊的，環境是新的，故事卻是舊的，日出日落，陽光底下沒有新鮮的事物，古典戲劇就是從普世現象中提煉真 理，而且讓人感同身受。
此時，越是古昔的聲音，越是淒涼的情感恍然入夢而來。
伍迪．艾倫一直有顆古典的心，《愛情決勝點》就是他最古典的愛情輓歌。
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英國人輸了奧斯卡，可是影視文化發聲權決不交白卷。
2005年的英美電影中，唯二能夠在藝術成就上威脅李安《斷背山》得獎大運的電影是英國的《疑雲殺機》和美國的《慕尼黑》，英國影藝學院的會員已經以實際的投票結果，証實他們雖然愛國（《疑雲殺機》提名獎項超越《斷背山》），但是更愛藝術（《斷背山》獲得四項獎，《疑雲殺機》只有一項）；美國影藝學院的會員比較愛史匹柏？還是李安？（他們都曾經分別以《紫色姐妹花》和《臥虎藏龍》獲得導演協會年度最佳導演獎，最後卻雙雙在奧斯卡獎上失利）三月六日就可以知道了。
英國人讓李安抱走了影藝學院的最佳影片及導演等大獎，然而他們沒有洩氣，知名的公共電視電視集團BBC在二十三日宣布在未來十年要投資二億五千萬英磅來投資電影事業。
二億五千萬英磅換算成台幣就是一百億台幣，如果台灣能繼續撥出一億經費來做國片輔導金，這筆錢就是台灣電影未來一百年的預算，夠養活三代電影人；這筆錢夠讓台灣人來拍五十部《臥虎藏龍》了。那是多大的數字？那是多大的企圖？
英國電影在1980年代末期靠著BBC的大力獎掖投資，確實創造了一股中興熱潮，雖然比不上好萊塢風雷火燙，至少在歐洲的發言權僅次於法國，讓英國的影視文化能夠繼續保持發言權和影響力。
英國人主力投資的《疑雲殺機》，請的卻是《無法無天》的巴西導演來執導，影像創意和運鏡邏輯，甚至演員魅力及音樂處理都是上乘之作，輸給《斷臂山》是可以算作雖敗猶榮的。
但是輸了就輸了，英國電影工業可不想就此一敗塗地，公共電視電視集團BBC於是就提出了十年二億五千英磅的投資企畫，今年是一千萬千磅，明年是一千五百萬英磅，後年則是二千萬英磅（亦即第一年五億台幣，第二年七億五千萬台幣，第三年十億台幣），而且每年都會在BBC1播出主流類型的名導作品；BBC2則 當代戲劇作品； BBC3則以年輕新秀導演的作品為主。這是英國電影局繼前年的投資減稅計畫後，又一項積極振興英國影視文化的政策。可想而知，不但影視幕後工程人員不怕沒飯吃，幕前演員更是可以安心地在自家家園發揮所長。
公共電視投資電影拍攝是可以創造雙贏的政策，從工作者的角度而言是，既有一定的經費預算，也可以有一定的發表平台，更重要的是它讓新舊的工作者都能持續在穩定的工作環境中去練劍，從熟練中開創新語言及新的可能；從投資者的角度來看，明確的投資標的，就是取得優秀節目軟體的投資，而且影視文化的周邊商品效應，經常有意想不到的收獲，只要品管得宜，文化投資甚至可能獲利超過其他商品。
台灣公共電視目前在「人生劇展」及「紀錄觀點」兩個節目概念下，曾經提供機會和經費和年輕人一個發表和工作的平台，其中，「紀錄觀點」節目儼然已經成為創作短片和紀錄短片的母體，六年來的成績非凡，從《跳舞時代》到《無米樂》成功帶動了台灣紀錄片的風潮，至於辦了四年的《觀點短片》更是時下年輕人試劍的最佳起跑點了。至於「人生劇展」則是讓許多導演可以在150萬的經費下學拍電影或者試驗自己的影視夢想，成就也是有目共睹的。
當然，公視早期也曾部份投資了電影《愛你愛我》、《十七歲的單車》和《藍色大門》等片，最近的《英勇戰士俏姑娘》也獲得了公視相當的資金掖助。堪稱是最能讓電影工作者及愛好者有棲身之地，甚至進而踐履夢想的踏腳石。
2006年的台灣電視產業可能有個轉機，一方面是華視要從三月底公共化了，小野掌舵的華視，能否接下公共電視的戲劇棒子，在小野的熱情與愛好下開拓影視合流的新局面，不少人都在期待著；另一方面則是無線電視即將數位化，頻道加多的無線電視可望能有更多的資源來和有線電視抗爭，這個機會，台灣人能夠把握多少呢？電視台掌舵者的每一個決定，其實都會影響到台灣影視產業的合流與提昇效能。
不久之前，曾經寫過一篇台灣數位電視發展的文章，僅附於後，提供關心台灣影視發展的朋友參考。
文章中提到台灣數位電視的勃興，關鍵在於能否確定經營優勢及經營方向。數位普及既是大勢所趨，誰能利用數位科技吸引民眾接收數位節目，就成為經營成敗的關鍵所在。
經營者首先應該確認數位電視普及化之後，電視生態將進入一個更加細緻，更強調分眾的市場生態。關鍵在於數位電視的互動選單功能。電視一旦能夠互動，就意味著觀眾對節目可以有更多的意見，可以有更多的回饋。意見，可以構成電視台的經營方針，回饋，則成為電視台的利潤來源。
因此，能夠主導風潮電視台必將成為軟體資源最齊備的節目供應商，而且應該就電視台經營屬性開發出枝葉繁茂的分眾節目，以吸聚觀眾。屆時，電視台不再以頻道數量多寡來爭取觀眾，而是以內容的細緻、多元和便利性來吸引觀眾；至於觀眾每回的選單，就意味著一次商機的來源，購物節目如此，益智、體育、教學和戲劇節目亦然。
互動式傳播最大的好處就是觀眾能夠隨地隨地，極度便捷地搜索和觀看到自己想要觀賞的節目與資訊，相對應於電視台的經營者就要全力經營能夠（1.）滿足消費者；（2.）誘導消費者的軟體片庫，以戲劇節目經營者而言，做跨媒體及跨平台的異業結盟，更是大勢所趨，假設業者能夠集合相關業者匯聚節目軟體，建立從電影、連續劇、單元劇、外國影集、地方戲曲、卡通動畫、實驗短片、紀錄影片等廣義的戲劇節目，形成觀眾接受戲劇節目的超大基地，而且可以隨選隨看，甚至多次觀賞、隨時觀賞，就可以迅速超越當前的電視格局，甚至改變電影院線及ＤＶＤ市場的生態，蔚為新世代的媒體主流。
數位電視經營者此時就應全力做內容整合，不但有多元的節目資料庫可以選擇，同時還應開發出類似搜索引擎的服務機能，使得數位電視不僅是家中必備的一台電視接收器，更成為一個既專業又有娛樂功能的龐大資料庫。
除了內容的整合之外，數位電視還是應該積極拍攝建立自己特色的節目品牌。因為在便捷的服務之外，最能創造風潮，吸聚全民視野，蔚成舆論風潮的還是品牌節目的建構。以戲劇節目而言，每年有年度大戲，每季有應時新戲，都是絕對不可少的規畫，而且應該充分運用高畫質電視的特質，拍攝能夠在內容上擺脫傳統格局，一新耳目的精緻好戲，不再沈淪在小成本經營，只能在本土市場運轉的小格局，讓節目既能娛樂本土民眾，也有了進軍海外的魅力。
然而，台灣目前數位電視最大的困境在於資金不足。（英國公共電視集團的百億投資計畫因而讓人格外佩服與驚訝！）
要想創新格局，就一定要有大量資金投入。各家電視台目前要投資數十億元硬體建設外，但若不能有相對資金開發新節目，以及建立節目資料庫，一切只能原地踏步。電視台的公共化固然可以在經營初期獲得國家一定經費的奧援，但不可能長期仰賴政府經費，而且政府年度預算在實質經營上恐怕仍只是杯水車薪，無法迎戰嚴苛的新生態挑戰。
法令政策上的適度鬆綁，開放民間企業投資，並分離產權與經營權，並立法確定一定比例的固定回收做為公共化的投資抵繳，讓電視台得能以互動收入及廣告收入創造利潤，再依比例分配盈餘給股東或產權投資人，藉此紓解政府資金壓力，亦可厚實電視台的競爭實力。
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小說改編電影，忠於原著，不難，只看你要神似，還是形似；難的是，你能不能顛覆原著，還能讓人歎服？
市川準改編村上春樹的《東尼瀧谷》，是一次很成功的小說改編電影行動。
去年，初識《東尼瀧谷》時，我就連著以兩篇文章推崇導演市川準在聲音、鏡頭、用色和選角上的精準功力。首先，是去年十月二十日，我就在《聲音的印痕》一文中，以「市川準…透過一個低沈、蒼涼而有魅力的男聲來說故事…在阪本龍一的低限主義鋼琴樂聲中…進入了一個充滿類似村上魅力的影音世界中了…。」接下來，十月二十一日則在《清麗與物欲》一文中指出「市川準用一片清淡幽藍的畫面來襯顯一朵素雅的小白花，白藍相間的畫面色彩，讓（宮澤）理惠的清香直接跳出了銀幕，直襲觀眾的心房。」
上周末，第三次看了《東尼瀧谷》，這回，我已經反覆讀了兩次小說，赫然發覺市川準看小說，又顛覆小說的想法與執行能力，其實另外有討論空間。
首先，我還是得讚美市川準選擇了宮澤理惠的明智。
村上春樹對這個很會穿衣服的女人的形容是像隻把風穿在身上的鳥，直接就從文字跳出了「嬌小、飄逸又飛揚」的神采，至於宮澤理惠的嬌小和輕盈，彷彿隨會隨風飄飛而去，但是她的豔光又能讓人急著想把他拉下來，細加呵護，不忍離捨。
演員的肉身可能毀了小說，卻也可能成就文字夢想，選了宮澤理惠，電影就穩了。
不過，小說中，妻子在車子急轉彎的那一剎那就結束了人生，東尼瀧谷登報找到的女人，只是身材形號相同，容貌完全不能並比。這一回，市川準不困在村上的文字陷阱中，他要跳脫出來，他決定再找宮澤理惠演出第二個女人。
也就是說，宮澤不但「形似」，而且「貌似」，更重要的是還「神似」。
光看文字，兩個女人很難這麼相近；但是影像創作上，市川準要宮澤理惠一人飾兩角，卻是一下子就突破了文字魔障，讓東尼瀧谷睹衣思人的心理治療，有了如夢似幻的真實質感，眼前原本就是同一人，明明就都是宮澤理惠，卻是一生一死，一近一遠，一親一疏，不但東尼瀧谷會看傻了眼，觀眾也愣住了，但是符號鮮明，小說中的那種移情效果，達到了巔峰。
然而，《東尼瀧谷》的原著小說，是部很能體現所謂「色蘊、受蘊、想蘊、行蘊、識蘊，五蘊皆空」的佛經哲理的小說，東尼瀧谷自清虛而生，生命的親情糾結都自枯寂而終，最後只留下孑然一身的孤單與空蕪。但是這樣的小說，可以讓人掩卷輕歎，拍成電影卻會讓人悵然若失，東尼還不老，眾親皆去，無枝可攀，他的餘生該當如何呢？
於是，當東尼把所有的妻子衣物，以及老爸的舊老唱片都處理好了後，他再躺在空空的房子裡，突然，腦海裡怎麼也忘不掉那個應徵來穿妻子衣物的女人。她是二代宮澤理惠，她是前塵舊夢的二番目，人生可能重來嗎？人生可能還有第二章嗎？電影在這裡結束，答案從畫面直接飄進觀眾的心目中，東尼瀧谷後來會怎樣呢？觀眾耳朵聽著坂本龍一的低限主義音樂，踩著漩渦般的音符走出戲院，人生是漣猗，人生是輪迴，參不透鏡花水月，正是我輩癡人啊！大家都是得道高僧，紅塵就無哀噌是非了。
這個改編，是市川準的風味與指痕，不是村上春樹的。可是，那種版本，比較好呢？答案要看你是書迷？或影迷嘍！
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捉罪犯，靠指紋；捉導演，靠什麼？
人都有指紋，犯了案，指紋是辦案的最佳証據。
導演亦有指絞，拍了新片，從指紋上去辨識導演風格，是很多影迷的通關考驗，別有趣味。
你看到有人在分岔的人行道前行走，你會想到蔡明亮；你看到房子漏水，或者淹水，你也會想起蔡明亮。阿亮的創作紋路，不只是李康生和陸奕靜的肉身，他的選材和表現手法，時而隱性，時而顯性地在膠捲中閃動著。
希區考克和徐克則是都有在自己作品中客串亮相的習慣，早期從《夜來香》、《蜀山劍俠傳》到《上海之夜》，只要看到有位蓄著山羊鬍的臨時演員，台詞就算只有一兩句，你就是可以認出徐克的指紋。
同樣地，侯孝賢的長鏡頭功力，不管其他台灣導演怎麼學，還是他最有味道；周星馳和劉鄉鎮偉都有一套無厘頭本事，看到他們的掰功，大致猜得出是誰的手筆，至於王晶的水準就差了一大截，只能跟在人家後面抄。
指紋，是人生的印記，在藝術的世界中，通常就叫做風格。人的指紋不會改，藝術家的指紋卻不是一成不變的，雖然藝術家的指紋往往是創作者和觀賞者之間的對話密碼，然而只想順著指紋去品味舊風味，難免就會大吃一驚。
例如，一向標榜自己一輩子好命的伍迪．艾倫，可以不理影評，不管票房，每年拍完一部電影，就可以回到家裡再寫新劇本，再拍新片，但是他在2005年交出的成績單《愛情決勝點》，卻讓許多人嚇了一跳。
伍迪．艾倫的指紋是什麼？是自導自演？是自己負責劇情旁白？是冷眼看人生，極幽默又冷酷地調侃人間情愛百態？……不同的影迷可以排列出各種不同的印記認証，據此拼貼出伍迪．艾倫的風貌特色，可是《愛情決勝點》中，伍迪．艾倫只導不演，連旁白的敘事者也換了人換了嗓音，更慘的是電影中沒有一個真正讓人同情的角色（只有糊塗被害的女房東是無辜受害者），主配角都有私心，都有算計，這像伍迪．艾倫一貫的作品風格嗎？
這是很有趣的一堂藝術指紋學課程。到底要像到什麼程度，才算指紋相符？指紋只比對紋路，相似度高即是。但是藝術指紋不能被形式牽著鼻子走，不能因為外表有沒有，就認定魂魄是不是。剛拍電影的蔡明亮很不喜歡用音樂，但是他的《青少年哪吒》讓黃舒駿得到了金馬獎最佳電影配樂；後來，從《天橋不見了》到《不散》，只是壓軸一首歌，從《南屏晚鐘》到《留戀》，都教人蕩氣迴腸；甚至他後來還拍了以歌舞為主的《洞》和《天邊一朵雲》。音樂算不算他的指紋？還是，只有寂寞才是他的指紋？
《愛情決勝點》沒有伍迪．艾倫的肉身，沒有他的聲音，但是靈氣魂魄卻依舊烙印著他的紋路。為愛癡迷，為愛瘋狂的人生，從來都是他談笑揶揄的對象，他的鏡頭下永遠有一群參不透鏡花水月畢竟總成空的俗世男女，這一回，劇情紋理更細密，情節迴轉更驚人，讓人搖頭三歎的生命啟示卻也更鮮明。不被形式所困所惑，能夠找到靈魂，看到靈魂，你就看到了藝術的指纹。
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觀人打球，人焉廋哉，你同意嗎？
古老的相親術告訴我們，從吃飯的禮儀與挾菜方式，可以看出一個人的個性。至少，嗯，看吃魚的部位，就知道他的出身和品味。
其實，球場上也可以看出人品，球場決戰，無非就是求勝，追求勝利，就生計較心，本性就難掩了。
伍迪．艾倫的新作《愛情決勝點（Match Point）》，片名來自網球術語，男主角則是網球教練，第一個鏡頭就在球網上做文章，用球場比喻人生的企圖心非常鮮明。
網球、排球和乒乓球都有觸網球的爭議，觸網後有兩種可能，過，或者不過。過，可能致勝，不過，肯定落敗，過或不過，純粹是運氣，球賽如此，人生亦如此，球打得好固然重要，運氣更重要。《愛情決勝點》就從這則球場啟示錄開始，探討人生的機緣與幸運，結論是幸運比較重要，有幸運之神眷顧，生在豪門家，娶豪門妻或嫁入豪門，你的人生都比他人省了無數力氣。
電影用這麼淺顯易懂的方式做開場，觀眾很難不去想自己的人生運途有多少幸運？有多少坎坷？把失敗歸咎於運不如人，而非技不如人，或努力不夠，人生的罪惡感與挫敗感會輕一些。但是人生真的可以用過不過網的幸運球來做比方嗎？
伍迪．艾倫的《愛情決勝點》劇情其實只像齣通俗劇，一位網球教練只因看了場歌劇，就被富家千金愛上，一路扶搖直上，但是他的愛欲卻不在富家千金身上，而是富家少爺的美國女友。為了富貴，他娶了富家千金；為了欲望，他沾上了美國女郎。他的妻子努力懷孕，卻始終無效；他的情婦卻因來不及防衛，一下子就懷孕了，面臨攤牌的抉擇，他會選富貴？還是愛欲？
但是我更欣賞的是電影中的乒乓球賽，美國女友一度在乒乓球檯上稱英雄，別人都打不過她，然而她的球發得很高，男主角第一次認識她，立刻被她的美豔吸引，急著上場要和她對打，藉機搭訕。然而，她才發了個球，他二話不說，立刻殺球得分。
別人，也許是禮讓她的；但是，男主角不讓。
別人，也許是打不過她的；但是，男主角就是比她強。
第一次相見，別人憐香惜玉；但是，男主角卻是辣手摧花。
招數和別人一樣，肯定只能隨波逐流，吸引不了別人的注意；一出招就不同凡響，才會突出，才會讓人刮目相看。而且，你才可以順理成章教對方打球，才可以近水樓台。
挫敗驕傲的女人是一種身段的展示，卻也是一種本性的流露，他們的第一回交手，男強女弱，男主動，女被動，男勝女敗的優劣關係早已註定，伍迪．艾倫只用一場乒乓球賽，只用一個殺球，就寓含了這麼多密碼，可想而知，《愛情決勝點》的劇本多麼地縝密周到，值得細細分析的。
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看《慕尼黑》，就好像在參加一場影迷認人大會，銀幕繁星，你能認得幾人？有這批綠葉搭配，《慕尼黑》才能激發出既真實又夢幻的力量。
美國人自詡是世界之最，所以，明明只是美國與盟邦組成的少棒聯盟，也要號稱是世界大賽，然而，台灣在最需要民心士氣打氣的年代底下，虛幻的世界少棒冠軍卻也1969年前後成為台灣人徹夜守候的棒球傳奇的開展。
1989年，台灣電影首度在歐洲三大影展的威尼斯影展中奪得了最佳影片金獅獎，當時的電影處長廖祥雄在享受台灣電影的風光時刻之際，也就突發奇想， 要在第二年的金馬獎影展中舉辦一個影展中的影展，即是廣邀十個世界知名影展那一年的最佳影片來台映演。切磋觀摩，當然是好事一件，可是那一年的新聞局野心 勃大，不想純觀摩，於是花錢請了五位知名的國際影人來台當評審，要向這十大影展的最佳影片評頭論足一番，選出冠軍中的冠軍，要讓金馬影展成為影展中的影 展。
這算是雄心嗎？對於不懂國際行情的人而言，是的，就算打腫臉硬充胖子，也要這樣認定的。但是對於這些國際影展主辦單位而言，這是嚴重的挑釁行為。如 果坎城輸給了柏林，法國人服氣嗎？德國人就會阿Ｑ似地沾沾自喜嗎？如果大家都因而不開心，紛紛起而抵制，不再邀台灣作品參賽，你這個影展不就白辦的嗎？錢 不就白花的嗎？
那個年代，絕大多數的台灣官員還搞不清楚國際影展到底怎麼回事，所以，邏輯簡單地就辦了個世界大展，各地的反應只能以「激烈」來形容，那一年好像是 今村昌平的《黑雨》和美國導演艾洛．摩理斯（Errol Morris）的《正義難伸（The Thin Blue Line）》並列最佳影片得主（年代實在久遠，記憶有些蒼白了）。新聞局姿態擺得很低，絕口不提各國抗議，反正就此一次，以後就不再辦這類自以為是的世界 大展了。
看完史匹柏的《慕尼黑》，我心中就自然浮現起這段不堪的往事。
別誤會，我不是批評《慕尼黑》有些狂妄自大，不是的，回味這場金馬獎的世界影展活動，對我而言有點像是去看日本怪獸總動員的《哥吉拉的最後戰役》， 也有點像「異形」決戰「終極戰士」的《異形戰場》，或者是史恩．康納萊集結了吸血鬼、英國化身博士和隱形人各種傳奇英雄於一片，讓你看著他們如何縱橫來 去，在九小時內拯救世界的的《天降奇兵》。雖然荒誕不經，但是熱鬧中還是有點活力趣味。
史匹柏的《慕尼黑》對我而言，卻像是個美國影壇的夢幻隊。美國夢幻籃球隊曾經所向匹敵，但也曾在2004奧運會上潰不成軍，夢幻不一定成功，但是夢幻有其號召力。《慕尼黑》的夢幻不在好萊塢卡司，而在歐洲卡司。
《慕尼黑》中的主力演員，其實台灣影迷都很熟，《綠巨人浩克》在台灣賣座平平，艾瑞克．巴納的型與戲都不像偶像紅星，想紅很難，但是詮釋死忠的以色多人卻 是綽綽有餘的；想看看第六代007情報員詹姆斯．龐德長成什麼樣樣的影星，看到丹尼爾．克雷格在片中的愣直表演，想來還是不如重看一下他在《瓶中美人》中 的薄倖詩人神采。至於一直演硬漢角色的西亞朗．辛德斯其實是最有說服力的配角，但我卻更懷念他在《恐懼的總和》飾演俄羅斯總統的冷靜與沈著】；至於只會拆 炸彈，卻硬被指派去裝炸彈的馬修．卡索維茲更是法國影壇最有人氣的實力派演員，從他執導的《恨》與《接班人》到演出的《赤色追緝令》都是好看的作品。當 然，《鋼琴師》的奧斯卡影帝傑佛瑞．羅許更展現了薑是老的辣的壓軸實力，從《鵝毛筆》、《莎翁情史》、《揮灑烈愛》到《神鬼奇航：鬼盜船魔咒》，不論戲長 戲短，有他演出，就有戲味。
然而，《慕尼黑》最大的魅力卻在於每位配角演員都是極其稱職的栩栩如生，不論是真實存在的以色列總理梅爾夫人（Lynn Cohen飾演），看到那麼嬌小的身軀，卻那麼剛強的意志，你就如同看到了猶太人的靈魂，同樣地，飾演教父的法國老牌影星（Michael Lonsdale），型與戲，都是老奸巨滑的代表，卻依舊可以有一種溫暖的關懷，讓觀眾好希望他能承諾，保全巴納的一條小命，至於負責接頭的法國影星 Mathieu Amalric，更是一眼就讓你看到高盧血統的魅力，當然，最讓我心動的是終於再次在大銀幕上看到了《５ｘ２愛情賞味期》中魅韻四射的法國女星 Valeria Bruni-Tedeschi，她雖然只在教父的花園餐會上驚鴻一瞥，然而她的不屑，她的質疑，是多麼地精彩…
《慕尼黑》的暗殺團在歐洲跑來跑去，故事背景讓電影終能出現好萊塢電影中罕見的歐洲班底夢幻組合，看《慕尼黑》的時候，簡直就是在做一場影迷識人大賽，你 既釐清複雜的人物關係，還要迅速地從影史資料庫中找出過去曾經讓你心動的舊片經典，眼前的影像快速滑動，腦海的資料庫也急速地做著比對，心裡面自然就會想 著，如果好萊塢以後的作品都來這種歐美混血大拼盤，不是更有趣味？更有挑戰性嗎？
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史匹柏很會說故事，《慕尼黑》讓我看到了化繁為簡的魔法，重複的變化，重複的趣味，就是他的魔法棒。
看完《慕尼黑》，觀眾應該都會得到「冤冤相報何時了」的共同體會。殺手因為有恨，所以心甘情願去執行暗殺任務，可是雙手血腥之後，他們不禁要問，這就是正義嗎？天下就會太平嗎？
為了以色列的國家不再受人欺侮，為了猶太人不再受到別人隨意殺戮，五位沒有受過專業訓練的猶太人接受特別徵召，開始進行了德國慕尼黑奧運會選手村殺人事件的報復行動。
他們都是菜鳥，所有的動作都非常不專業，使得殘酷的復仇行動，卻不時讓精明的觀眾有了揶揄和訕笑的空間，最初的義大利的電梯殺人事件，從拔槍都要拔半天開始，他們的拙笨動作讓人既擔心，又不免要搖頭嘲笑，是的，因為不夠專業，才使得他們的秘密行動，不致於牽扯出讓國際輿論譁然的政治事件，因為不夠專業，才使得他們的秘密任務，總會有意外突槌的事件，加濃了全片的戲劇張力。
《慕尼黑》堪稱是史匹柏21世紀以來節奏最明快，創作意念最清楚的傑作。他讓猶太人的憤怒佔據了主述的空間，但是巴勒斯坦或其他阿拉伯人的論述主張，非政府的情報販子的冷眼旁觀，同樣也佔據著一定的發言管道，相互拔河，相互論述，讓觀眾不致於單向地認同主角，不致於淪為猶太復仇主義的發聲筒。
史匹柏最厲害的地方是運用了「以其人之道還治其人」的簡單設計，就讓業餘殺手的恐懼逐步浮現出來，他們曾經運用過電話炸彈、電視炸彈和床墊炸彈來遂行暗殺行動，等到他們也被對手釘上，所有他們用過的手段就成為對手反制他們的方式，飾演以色列情報局幹員艾夫納的艾瑞克．巴納就此陷入風聲鶴唳的情境下，恐懼讓他幾乎把自己的住家全都給拆了，最後只能躲進衣櫥之中，這時，所有的觀眾都想起了他們剛開始成軍時，曾經有人提起，某位情報員曾經因為害怕報復而只能睡衣櫥的往事。
重複，是電影藝術中一項簡明法則，同一件事，經過反複重演，就可以發展出複雜的多向論述。同一樣招式，可以是快意暗殺的高招，卻也以是畏懼報復的魅影；一則笑談軼事，卻也以成為真實生活中的噩夢。
而且，重複是讓觀眾接受訊息最直接的手段。因為觀眾已經先看過一次，等到相似劇情出現時，觀眾就可以快速辨認，同時也從判若天壤的劇情逆轉，感受到更強烈的震撼。
同樣的策略就出現在《慕尼黑》中唯一的一場美人計中。
艾瑞克．巴納在酒吧中遇到了一位絕色美女，對方不時拋媚眼，誘他上鉤，他也欣然坐靠女方身旁，而且讚賞她身上的香氣。女人笑了，把他的手拉過去，用自己的手腕輕輕磨蹭兩下，那是她塗香水的地方，她把香氣度給他，要他心眩，要他迷醉。巴納接納了香氣，卻拒絕了女色，不是不想，而是心裡記掛在妻女。出了酒吧，他不忘叮嚀一向沈穩的同伴西亞朗．辛德斯（Ciarán Hinds），千萬不要誤中美人計。
回到房間，和遠方的妻女通完電話，第一次聽到女兒叫爸爸的巴納感動得痛哭流涕，然而，夢迴午夜後，他卻又下到旅館酒吧（史匹柏沒有說他是想要尋歡走私？還是心存疑慮《不過，我偏向第一個可能》？），一無所獲要回到房間時，卻在把手上聞到了同樣的香氣。香氣是女人的印記，香氣是美人計的証據，他沒上鈎，可是西亞朗是不是上鈎了呢？
重複出現的香氣，就像突然跳出來的線索，讓觀眾清楚明白到底發生了什麼事，男主角在努力解謎，觀眾也同樣參與著他的心跳和緊張。
一部嚴肅探討民族血淚和恩仇相報議題的電影，卻在極度戲劇化的情節安排上，吸引著觀眾一起去探險，去尋覓真相，這就是史匹柏一向能夠緊握人心的高明手段了。
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永垂不朽的哥幾拉，即使打完了最後戰役，依舊笑傲日本海，但是哥幾拉的原創作曲家卻已經撒手人寰了，但我相信他的樂章會伴隨哥幾拉的身影，常存影迷心中。
許久不曾到日本網站去瀏覽，因此就不知道日本著名動畫大匠押井守又完成了以日本傳統為主題的新作《立喰師列傳》，更錯過了頂尖作曲家伊福部昭 （Ifukube Akira）已經於二月八日去世的消息，這位曾日本怪獸電影《哥吉拉》打造了主題樂章，成為日本電影史上最著名的系列電影音樂的音樂家，因為多內臟器官功 能衰竭而在東京都目黑區醫院中去世，享壽九十一歲。那一天，卻也正是美國音樂大師約翰．威廉斯的生日呢。
約翰．威廉斯替《大白鯊》和《侏羅紀公園》打造的主題音樂，早已是影史經典，伊福部昭也同樣靠著《哥吉拉》揚名立萬，二００四年他的最後一部電影配 樂作品，同樣是《哥吉拉：最後戰役（Godzilla: Final Wars）》，兩位音樂奇才都和怪獸有著奇緣因緣，可說是又一則極其巧合的影史傳奇。
伊福部昭是一九一四年五月卅一日生於北海道東端的漁港釧路，有人說他是日本原住民阿衣奴（AINU）族（或稱蝦夷族）人，他的作品都帶是以富有民族色彩的雄壯交響曲風見長，其實童年時的部落音樂對他產生極大影響，才能在後來的作品中自如運用日本傳統樂器。
十五歲開始他自己拿著小提琴就開始自學自拉，十九歲時創作了《日本組曲》，曾在威尼斯國際現代音樂節上獲獎。他大學讀的是森林學系，一九三五年在北 海道大學林學系畢業時，就完成了《日本狂詩曲》，並獲得在巴黎舉行的亞歷山卓．柴普尼（Alexandrov Tcherepnine）大賽獎，也使得他得能進入柴普尼的師門之列，還在一九三八年親自指揮伊福部昭的芭蕾作品《Bon Dance》在維也納首演呢。
一九三六年他的作品獲選參加德國柏林第十一屆奧運會的國際音樂藝術競賽，當時日本選出五位作曲家與賽，其中伊福部昭、山田耕筰、諸井三郎和萁作秋吉 四人的作品都告落選了，反而是來自台灣的江文也，以《台灣舞曲》獲得「入選外的佳作」（入選三名，事實上，江文也得到的特別獎等同於第四名），這場音樂大 賽，勉強可以算是伊部福昭和台灣音樂家的第一回交手。至於他和華人的第二回交手，則是多年後，應邵氏公司之邀替電影《妲已》寫下配樂，堪稱是《花樣年華》 和《十面埋伏》的日本作曲家梅林茂的前輩先行者了。
伊福部昭的音樂人生分為創作和教學兩分面，創作上，從一九四七年替三船敏郎主演的第一部電影《銀嶺的果實》配樂以來，一共譜寫過約四百多首日本電影主題曲，其中最膾炙人口的就是一九五四年推出的《哥吉拉》主題曲。
《哥吉拉》的註冊音標一定先有沈重的腳步聲，繼而是怪獸的低吼聲，層層上揚的主題樂章就跟著滑翔開來，哥吉拉是日本原爆悲劇後的科幻產品，卻是日本 人悲劇心靈的代表，它所到之處，城破屋毀，人們所有的武器，日本所有的怪獸都不能整制得了它，它根本就是日本帝國的大魔神，而伊福部昭就成了世人認識哥幾 拉最便捷的管道。
教學上，他從一九四六開始就到了東京音樂學校作曲系任教，卅年後更出任東京音樂大學校長，培育過不少音樂人才，他的學生真鍋理一郎、芥川也寸志、齋藤高順和黛敏郎等人都承繼他的衣缽，在古典音樂和電影音樂上創造過許多動聽樂章。
二戰期間，伊福部昭曾經接受日本政府委託，替日本政府根據大東亞共榮圈的構想，扶植菲律賓獨立建國，而創造了一首長達二十分鐘的《贈與菲律賓之管弦樂序曲》，也反應了戰爭期間，日本藝術家必得為國效命的時代精神。
連著三天晚上，我都在聽著從日本買回來的伊福部昭音樂輯，從《銀嶺的果實》、《望鄉》到《忠臣藏》都是東洋風味濃郁的傳統配樂，至於《日本沈沒》和 《大魔神》等則是運用西方交響樂的配制與精神呈現了氣勢磅薄的曲風，但是怎麼聽，都還是最喜歡他的《哥幾拉》音樂，理由很簡單，那些作品多數是進修日本電 影史的選修作品，感情不濃，反而是《哥幾拉》是我從小學
時期就已經深深為之著迷的音樂了，如今，我家下一代的小朋友，從小跟著我看《哥幾拉》電影，也都會 在鋼琴鍵上彈出主題樂章，那是多美麗的傳承啊。
伊福部昭應該特別懷念一九五四年，因為那一年東寶公司指派他替年紀長他三歲的導演本多豬四郎（Ishiro Honda）的特效怪獸電影「哥吉拉」配樂，那是一個演員戴上恐龍外殼，在模型城市上走來走去，踢來踩去大搞破壞的「愚蠢」電影，沒想到原爆陰影的文化符 碼如此深植人心，電影和音樂就此一舉成名，隨著影片銷行各地，演員的口白或許會改變發音，但是伊福部昭寫的音樂可都全部保留，因此就理所當然成為國際知名 度最高的日本作曲家。後來，他在一九八０年代中葉整理舊作完成了《哥吉拉交響幻想詩（Godzilla's Symphonic Fantasia）》，更是滿足了無數影迷的想像呢。
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1970年代，什麼書會像《達文西密碼》一樣，還沒出版，就已經被書商視為強棒？就已經被電影公司搶下版權，等著大撈一票？
答案是：《大白鯊》。1975年的夏天，數以萬計的影迷在看完史匹柏執導的《大白鯊》之後，真的就不太敢再去海邊游泳了，深怕海底真會冒出一隻鯊魚，把人給咬了。
寫下《大白鯊》的作家彼得．賓奇里（Peter Benchley），台北時間13日凌晨因為肺病辭世，享年65歲。 《大白鯊》讓他功成名就，但是他一直很後悔在小說和電影中徹底把大白鯊妖魔化了。「我一直告訴大家，我寫的只是虛構的小說，不是真實故事。」從小就喜歡潛水，也喜歡觀賞鯊魚，甚至在寫小說前就已經替一些雜誌寫過鯊魚報導的彼得．賓奇里生前曾如是說：「馬里歐．普佐寫了《教父》，就讓很多人聽到黑手黨就冒冷汗，人家看了我的《大白鯊》就害怕游泳，或者鲨魚，我也沒辦法。」
紐約出生的彼得曾經當過華盛頓郵報和新聞周刊記者，還一度被請進白宮，擔任美國總統詹森的講稿撰稿人，1969年離開白宮後，成為四處投稿每天為稻粱謀的自由投稿人，只要有人肯付錢，什麼文章都肯寫，包括影評，遊記，當然包括出版社預付七千美金請他寫的小說《大白鯊》。
《大白鯊》的靈感來自1964年的一則報導，紐約長島的一位漁民捕獲了一隻重達四千五百五十磅的大白鯊，當時彼得就心生幻想說：「如果海邊出現了一隻大白鯊，又不肯離去，會造成多大的恐慌呢？」故事在肚子裡足足養了七年，他才開始執筆試著寫成長篇小說，沒想到出版社看好他的題材，早早就發動耳語攻勢，預告著有一本暢銷小說即將問世，甚至早早就賣出了電影版權，1974年小說出版，1975年拍成了電影，錢潮和大白鯊所激盪出來的浪潮幾乎一般高。
成名後，他才發覺其實自己的鯊魚知識很不正確，「鯊魚不愛吃人的！通常咬一口就吐掉了！」彼得說，「因為人的骨頭太多，太硬，還不如去吃其他肥滋滋的海底魚類。」而且，鯊魚通常不會攻擊船隻的，不可能像電影中那樣把整艘捕鯊船都給撞毀了。
他曾經親眼目擊鯊魚從海底竄出，掠食海鳥，但是漁船靠近鯊魚時，有時候牠會讓渔民摸摸牠的頭。更緊張的是有一回他到巴哈馬潛水，完全沒看到背後有隻鯊魚正朝他的方向游過來，海面上的朋友看到人與鯊即將相遇，臉都嚇白了，怎麼拍怎麼叫，人在海底的他卻什麼都聽不到，猛一轉身，人和鯊幾乎是鼻頭對魚頭，雙方都愣住了，鯊魚沒咬他，鰭一沈，放個屁，轉身就落跑了，「廢話，那還用問！」彼得笑著說：「我當然也是嚇得拚命往反方向遊閃人去了。」
唯一的一次浴血驚魂是他的腳被魚線割傷了，鯊魚聞血而來，他連忙用角叉防衛，瞄準鯊魚眼睛刺下，卻只刺到了鯊魚的嘴，鯊魚一痛，咬著魚叉轉身就走，可是角叉套環卻套在他的手腕上，他竟然因此還被拖行了好一陣子，才把魚叉套環給解開了。
「史匹柏的電影拍得真不錯，」彼得笑著說，「約翰．威廉斯的音樂更精彩，樂音一響，大家就緊張了。那種感覺就像是《驚魂記》中，變態男子拿著刀走進浴室的那場戲一樣，真的會讓人嚇得屁滾尿流。」
後來，彼得到澳洲潛水，突然就擔心起來，不曉得已經被他醜化成嗜血怪大白鯊會不會找他尋仇？從此，他走遍全球，在各地進行保護鯊魚的工作，也算是洗心革面，懂得反省的有識之士了。
彼得後來還寫了幾本海底故事的小說，其中最有名的就是描寫海底沈船的《深深深》，導演是彼得葉慈，男主角是羅勃．蕭，都是響噹噹的人物，可惜片商的焦點全在女主角賈桂琳．貝茜（Jacqueline Bisset）凹凸有致的身材，釘著看她的緊身衣有沒有激突露點，白白浪費了黃金組合及很有趣的海底沈船故事。
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挑戰經典，是夢想家愛做的事；超越經典，卻未必是流血流汗就一定能成功的事。上圖為《齊瓦哥醫生》經典舊版，下圖則為俄國電視新版。
美國人拍《藝伎回憶錄》，是不是一定就比日本人拍得好呢？
答案很明顯。美國人拍的《藝伎回憶錄》在商業體制炒做下，肯定賣錢，但是不會在影史上名垂千古，因為形似神不全。
同樣的邏輯，莎士比亞的劇作是不是只有英國人能拍呢？
同樣是《馬克白》的故事，波蘭斯基拍的《森林復活記》很驚人，但是黑澤明的《蜘蛛巢城》，更是影史經典。作品好壞，坦白說，與創作者的國籍沒有必然關係，一切在於心靈，在於才情。
俄羅斯娛樂圈最近有一股文學改編上電視的風潮，分別是：導演Aleksandr Kot改編自杜斯妥也夫斯基名著的《卡拉馬助夫兄弟們（The Brothers Karamazov）》；還有已經拍了無數次的托爾斯泰名著《戰爭與和平（War and Peace）》, 這回換了導演Sergei Solovyov來掌鏡；另外則是伊凡．狄霍夫奇尼（Ivan Dykhovychny）改斯自巴斯特納克的名著《齊瓦哥醫生（Doctor Zhivago）》。《卡拉馬助夫兄弟們》曾在1958年搬上銀幕，由在俄羅斯出生的影星尤．勃連納（Yul Brynner）擔綱，多年前曾在台灣演出過，但是評論平平，反而是《戰爭與和平》及《齊瓦哥醫生》都有不錯的票房及評價。
俄國能夠開拍《齊瓦哥醫生》 ，在1990年之前是不可能的任務，原因是巴斯特納克的書批判了蘇聯體制，被列為禁書，不管巴斯特納克有沒有得到諾貝爾獎，意識型態的掌控是蘇聯的第一要務，這也是當年大衛．連要拍《齊瓦哥醫生》 ，根本不可能到蘇聯取景，只能改到西班牙拍攝。但是蘇聯解體十六年後，才有人拍攝《齊瓦哥醫生》 ，畢竟還是個新聞，意味著舊有的禁忌真的已經隨風而逝了，人們真的可以平心靜氣地坐在家中看著文學改編作品了。
《齊瓦哥醫生》 是公認的影史經典，奧瑪．雪瑞夫和茱麗．克莉絲蒂的雪地戀情，讓無數倩人看了心酸垂淚，伊凡．狄霍夫奇尼不認為自己在挑戰經典，但是他說你們看到的《齊瓦哥醫生》 都是外國人的觀點，都是好萊塢的觀點，伊凡想要拍的是俄國人自己的觀點。
他的特色之一在於全片都在俄羅斯取景，景觀上就絕對勝過原版的《齊瓦哥醫生》 。當然，他要動員人力來拍攝歐戰或紅白軍內戰的規模，也遠比大衛．連容易得多了。
特色之二在於：「電影中強調齊瓦哥戀戀不忘那把媽媽留給他的俄國三角琴，其實在俄國富人家庭階級中，三角琴屬於很平常的樂器，就像薩克斯風一樣。」伊凡致力要讓俄國文化的本色還原到最準確的位置。
特色之三在於只有俄國人才讀得懂原著的趣味。以女主角為例吧，《齊瓦哥醫生》 的女主角茱麗．克莉絲蒂飾演的拉娜一角，是大衛．連刻意雕塑的斯拉夫美女，「可是你知道為什麼有這麼多的俄國男人一看到她就為之神魂顛倒嗎？」伊凡指出，「因為他的父親是比利時人，母親是法國人，所以她的容貌和長相比起其他一般的俄羅斯女人中是那麼地不一樣，有了出類拔萃的另外魅力。」小說中，拉娜是黑髮美女，大衛．連的電影版本中則成了金髮美女，但在伊凡的版本中，拉娜卻成了紅髮女郎，因為伊凡要刻意突出她的歐洲風韻，要絕對不同於其他版本的俄羅斯女人。
至於齊瓦哥醫生則是由俄羅斯當紅的男星Oleg Menshikov出任，他是米蓋柯夫的愛將，《烈日灼身》和《西伯利亞理髮師》都由他擔綱，到底能不能挑戰或超越奧瑪．雪瑞夫？坦白說，沒看到這套共十一集，總長八小時的影集之前，誰也不知道，我只是好奇，也期待著俄國人拍的《齊瓦哥醫生》，能有完全不一樣的風情， 至少，我想聽聽看，有什麼樣的音樂可以取代墨希斯．賈赫所創造的《齊瓦哥醫生》主題樂章：Somewhere My Love!
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電影可以在情人節做什麼事？發揮什麼功能？
答案可能有：
一）陪你的愛人一起挑一部電影來看；
二）向你的愛人推荐一部你曾經鍾情的電影─讓他（她）更懂你。
三）挑一首你們共同喜愛的情歌─想起從前（就像安迪．威廉斯的歌聲那樣）。
四）選一首電影歌曲表達你的心聲─他（她）熟的，他（她）會懂；他（她）不熟的，從歌詞或曲調中，他（她）會驚豔的。
五）你可以演一段電影情節給他（她）看。
六）你可以唸一段電影台詞給他（她）聽。
七）你可以剪輯一段愛情或爆笑或驚悚電影精華給他看
八）可以單獨看片療傷，讓眼淚來熨平胸口塊壘。
九）我相信大家一定都有許多新點子可以繼續地寫下去（也歡迎大家留言建議……）
忙了一天的我，在午夜時分，只能填到第八點了，不過，英國衛報網站提出了我沒有想到的第九點：寄一張電影劇照，當做情人卡，寫上你的祝福或思念，只要上網登錄，網站就會在二月十四日當天把這封電影情書送到愛人的電子信箱中。
這款點子，不新，頂多只是電子賀卡的「電影版」而已，電影劇照只是背景，重點還在於你選的是那一部電影？你要寫的話是什麼？愛人會是一笑置之？還是會細細收藏，不時勤翻看？
衛報網站安排的都是2005年知名電影的劇照，從《斷背山》、《愛情不用尋找》、《來跳舞吧》到《金剛》，還有卡通的《酷狗寶貝》及紀錄片的《企鵝寶貝》一共八部。
我會選的是《企鵝寶貝》的劇照。
一方面是因為同事今天告訴我，學術研究已証實，「鴛鴦」不論公母都劈腿成性，古人說：「只羨鴛鴦不羨仙。」其實是很有前瞻性的大膽性冒險宣言（他話才說完，編輯檯上不論男女同事都笑厥了過去）。
另一方面，純粹是視覺上的感受。愛情讓人黏纏，讓人相互吸聚，不忍離捨，企鵝的動作多自然，多美麗。
就拿這張劇照和所有上網的朋友一起分享吧。
但是，別忘了告訴我，電影還可以在情人節做什麼？你有其他的答案？其他的選擇嗎？
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有夢想，不難；實踐夢想，很難噢！
「飲水思源」是人生中極其珍貴的美德，說來容易，做起來很難。
大家都急著追求成功，快步向前，誰會在名利加身的時刻驀然回首，想起過去的辛酸，想要找回當時的渴望與期待？幫助更多的人不要再那麼辛苦地一步一徘徊。
麥特．戴蒙（ Matt Damon）與班．艾佛列克（ Ben Affleck）的崛起，是90年代最膾炙人口的影史傳奇，1997年，他們先從電影《心靈捕手》劇本創意一路發展到電影演出，從原本的默默無聞，一夕成名，成為好萊塢的當紅子雞。這款傳奇，正是「美國夢」的最佳典範：平常勤耕耘，時機一到，總有花開結果的美景。
更難得的是麥特．戴蒙和班．艾佛列克在人潮簇擁和鎂光燈下紅了十年，他們從來不曾忘記來時路，而且早在2000年時，他們就已經發展出一個發掘新人的「綠光計畫（Project Greenlight）」活動，懸賞一百萬美金要給熱愛電影的年輕朋友，鼓勵大家寫出好劇本，他們則是透過已經累積的人脈，協助更多的年輕人完成進軍影壇的夢想。
「綠光計畫」的發想其實很簡單：兩個已經幸運成名的年輕明星，為了鼓勵心態和夢想都和他們相同的創作者，因此設立這項劇本比賽獎。
人紅了，就紅了，何需飲水思源？不回饋，也不會有人嫌棄他們，做該做的事和做想做的事，坦白說都是人生的選擇而已。不必做卻一定去做，而且做得轟轟烈烈，無非就是人生品味的實踐，無非就是另一個人生願景的打造了。
有大明星的加持，以及他們平步青雲，平地起高樓的成功實例，「綠光計畫」一開始就很叫座，從2000年的九月發動開始，短短的四個星期時間內，一共吸引了七千多位年輕人交出了他們的戲劇創意參加角逐。
參加的人一多，評審工作就格外辛苦。要從7000本劇本大綱中挑揀出250本初選入圍作品，對多數人而言絕對是件苦差事，但是，「綠光計畫」懂得運用網路資源，他們成立了「綠光計畫」網站，而且公開徵求合格的網友登錄成為初審評審，根據大家的審閱票選結果，選出了前250件作品。
這250位入選人接下來就要各自交出一隻三分鐘的作品，展示他們的企圖心和操控影像的能力，再由麥特．戴蒙和班．艾佛列克及其他夥伴一起觀看篩選，選出30位複賽入圍者，看這篇文章如果只是閱讀，你一定很難想像要看250部三鐘的作品要費時多久？完全不吃不喝不休息，不算上下帶的機械操作時間，至少就要750分鐘，那就是至少要花12.5小時。一口氣連看30部作品，其實一點都不痛快，只覺得是無窮盡的折磨。
接下來，一向支持小班和麥特的美國Miramax公司也派出專業人員來評估最後三十位入圍者的劇本，再次挑揀出最後的十位決賽入圍者，每位入圍者都可以先獲得價值八千美元的獨立電影人獎 （ Independent Filmmaker's prize)，提供了專業的數位攝影、剪接的軟硬體設，然後再使用這套器材，根據他們完成的劇本拍出三分鐘長的電影 。
三分鐘作品完成後，就是準決賽的決戰時刻，大家帶著作品來到洛杉磯舉行短片首映會，再由麥特．戴蒙和班．艾佛列克等三位評審選出參加最後決賽的前三名。這三位入圍者都要接受嚴苛的詢問，追問他們要如何完成自己的作品，如何克服可以預先的困難，如何解決創作或行銷的瓶頸障礙等問題，最後才會選出可以得到一百萬獎金來完成自己作品的優勝者，當然Miramax公司也承認一定會排出檔期，安排「綠光計畫」的得主作品上院線映演。
「綠光計畫」的得獎者不保証一定成功，但是小班和小麥有夢想，也知道如何實踐夢想。台灣也曾有公視和新聞局打算橫向移植這類的計畫，獎金同樣是一百萬元，但是少了明星光環，少了行銷宣傳，也少了其他的支援、拍片和發行計畫，許多年輕新秀根本不知道這件事，根本不知道如果有夢，該怎麼樣來實踐，今天，我把「綠光計畫」的原委做了大致的簡介，台灣有錢又有心的媒體操控者要如何來實踐相同的夢想呢？但願這篇文章還能有點參考價值，千願不要橘逾淮為枳，就好了。
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你何時初識雲雨情呢？如果電影院像教室，誰是啟蒙教師呢？
讀過論語的朋友一定都熟知：「君子有三戒。少之時，血氣未定，戒之在色……」戒之在鬥以及戒之在得的另外兩戒不在今天討論重點，太早接受到「色色的」電影誘惑，實在是很尷尬的事。
在我的青春前期，印像最深刻的女體誘惑要算是「第七號情報員」的烏蘇拉．安德絲了。在保守的1962年代，突然看到一位女郎把外衣脫下，就只穿著三點式內衣在草地上曬起日光浴，你除了目瞪口呆，還能有什麼選擇？
那一年，那有台灣女郎會穿內衣在大銀幕上亮相？而且是少之又少的三點式哦，不是兩塊大布上下交纏的兩截式泳衣哦！
那一年，在多數人還是營養不良的年代裡，有多少人看過呼之欲出的三點式內衣？多少人知道或者看過什麼叫做波霸？
那一年我七歲，你說我懂什麼呢？其實，我什麼都不懂。可是為什麼一眼看過就難忘？四十多年後還清楚記得自己當時坐立難安的景況，更清楚記得電影院裡，大家都屏氣凝神，靜到連繡花針落地的聲音都聽得見的戒慎恐懼景況。
那一年，我是跟著爸爸去看「第七號情報員」的，他從來沒跟我討論過這部電影的內容，我也沒問他說那個女人的衣服怎麼穿得那麼少？那個年代的父子很少討論性別、人體的問題，我總是傻傻地就跟著父親去觀賞林絲縀人體攝影展，就像身旁的大人一樣偷偷地看著沒穿衣服的女人，但是我沒吵，也沒多嘴，更沒尖聲鬼氣地胡扯亂叫，只是自顧自地在腦海裡編織著綺麗的桃色夢想。我想，父親大概就以為長大後自然就會懂的了，但是可能不知道，我早早就懂了（雖然，哈，那真的是瞎子摸象地強不知以為知）。
2005年，兩件女人的內衣突然就又飄飄地出現在我的面前。
首先是徐靜蕾在《一個陌生女人的來信》中，和姜文的床戲。故事在1940年代前後的北平（不是北京），雲雨正濃的徐靜蕾背部全裸，前身只剩一件肚兜。是的，肚兜只遮前身，背後春光無限，那是徐靜蕾可以接受的裸體程度，然而，肚兜的扣繩鬆了，你什麼都沒看見，卻好像想像了肚兜前方，姜文正在欲仙欲死的得意神情。
肚兜是古典的內衣，不合時宜的樸拙，穿戴在思想和行動同樣前衛的女郎身上，春光自然浮動。什麼都不用拍，不必脫，不必露，卻有春情無限，那就是功力。
第二件內衣是《如果愛》中的周迅。
她不是波霸，她不會故意暴露胴體，那場床戲是兩個窮學生在陰冷小宿舍裡合情入理的情節發展，衣服一件件脫，但是不必裸裎畢現，她們要做什麼，大家都明白，然而我們卻看到了她穿著的就是老式的布面胸罩。同樣是樸拙的，極合身份，意境又是點到為止，無需歪斜，無需露洩，依然讓人心生憐惜，其實，她從《十七歲的單車》到《蘇州河》都是簡簡單單，不彆扭，不遮來蓋去，該怎樣就怎麼地讓你看見可以看見的身體面向，坦蕩，自然，才有真正的力量。
就像烏蘇拉．安德絲那場日光浴一樣，所有傻小子的心旌動搖，只說明你是涉世未深的少年。
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沒有熱情，沒有夢幻，就不要來擁抱電影吧！
要想做個頂尖的影展，至少一定要能實踐影癡的夢想。
影癡的夢想是什麼？你的答案可能包括了：拍好片；看好片；能夠聽到或看到創作者的交心剖腹；有文字或影像資料可以再三回味…。
勞勃．瑞福的日舞影展在一月底已經順利落幕了。我心嚮往之，卻始終無緣得見其風采，心中一直有憾。如果，我亦能在台北看到日舞影展的參展或得獎作品，是不是能稍解心頭痛憾？
影迷有這樣的疑問，影展就有相對應的答案。這就是日舞影展最可愛的地方。
日舞影展以鼓勵年輕優秀的電影創作者為宗旨。年輕就是名氣還不大；年輕就是巴望著自己的創意和才華，能讓更多的人聽見或看見；年輕就是願意多和別人切磋觀摩…基於這樣的前提，日舞影展的官方網站做了一項很值得台灣人參考的創舉，就是在官網上讓你一舉看遍今年的短片和動畫作品。
你只要點選http://festival.sundance.org/2006/watch/index.aspx?guide=all 這個網址，只要你家裡裝有寬頻，你可以相當流暢地觀賞到今年日舞影展的四十七部參展作品，至於得獎的作品則是另有標示，可以讓你更快速地找到今年最拔尖的創作。
如果英文夠好，你可以聽到名導演文．溫德斯和演員兼作家山姆．薛帕德的對談，還可以看到各式各樣的活動表演和創作者的心情交換。
看到日舞影展的影音連結平台，你真的必需歎息，做一個影癡，你真的願意定期來這裡朝聖。只有在這裡你才可以和美國的獨立創作精英一起呼吸，一起體會他們心靈運算的成果。
反觀台灣，口口聲聲說要建立影音平台，可是我們到底做了什麼？口號多過行動，一切都是讓長官好做官而已，不曾真正落實到電影人的血肉生命中。
1996年，我擔任中影製片部經理時，台灣的網路風潮還正在起步階段而已，我在公司主管還搞不清楚狀況之前，就搶先登記了一個http://www.movie.com.tw/台灣電影網的網址，這個網址的真正意義是任何一個外國人如果想要查詢台灣的電影現況，卻不知道如何下手，直接用最笨的查詢方式，在搜尋欄打上movie和com.tw來連結，就一定會連上中影的網站。「讓中影成為台灣電影的入口查詢網站吧！」我在簽報長官的公文上這樣寫著。
長官其實是不上網的，長官其實是搞不清楚狀況的，但是長官至少聽過網路，為了不讓自己顯得太落伍，欣然批了個可字。但是我在中影只待了半年，那個網站乏人經營，中影從來也不知道如何利用網站的力量來吸聚電影人口，你聽過民間有心人經營的「開眼」http://www.atmovie.com.tw/ ，雅虎和kingnet資訊網（http://movie.kingnet.com.tw）的資訊也很多，他們都是民間力量，但是資料至少一點一滴在往齊備的路上邁進。
有官方資金介入贊助的網站，坦白說只有台灣電影筆記最值得一看，點選http://movie.cca.gov.tw/index.asp的網址，你多少還會覺得那真是一個電影愛好者的可以落腳，可以呼吸的地方，至於光點台北（http://www.spot.org.tw/）、國家電影資料館（http://www.ctfa.org.tw/）以及新聞局的哈台影音快遞（http://www.gio-media.com.tw/newsletter/list.html）也都還有些活動內容可以查考，雖然官方機構的內容都殘缺不全，名字你記都記不全，內容甚至規畫得零零落落，純粹只是虛應故事，納稅人的錢真的被人白白給浪費了…但是就算是這麼不堪，你根本不會用到台灣電影網來查資料。網址真的不重要，你不會經營，你沒有經營，不過是佔著茅坑不拉屎的過客而已。
匆匆十年過去了，中影已經風雨飄搖，老闆換了人，公司可能會在二月二十八日之前就結束營業了。員工正愁拿不到薪水了，誰會去經營那個網站呢？匆匆再點一次http://www.movie.com.tw/，你就看到那個網站名字叫做「電你網」，你就赫然發現網站上最後登錄的活動是去年六月二十二日的「少年耶！來學拍電影ㄟ！」活動訊息，最後的影片則是去年十月二十一日映演的中國電影《芬妮的微笑》的介紹，中影公司的影片檔案只有區區的五頁，不到三十部影片的籠統介紹而已。
中影曾經是台灣最大的電影公司，如今呢？電你網彷彿成了外界追悼中影公司，追悼台灣電影的一個紀念碑了。有空上去看看，你或許會對台灣電影衰敗的實況有更深的體會。
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沒有熱情，沒有夢幻，就不要來擁抱電影吧！
要想做個頂尖的影展，至少一定要能實踐影癡的夢想。
影癡的夢想是什麼？你的答案可能包括了：拍好片；看好片；能夠聽到或看到創作者的交心剖腹；有文字或影像資料可以再三回味…。
勞勃．瑞福的日舞影展在一月底已經順利落幕了。我心嚮往之，卻始終無緣得見其風采，心中一直有憾。如果，我亦能在台北看到日舞影展的參展或得獎作品，是不是能稍解心頭痛憾？
影迷有這樣的疑問，影展就有相對應的答案。這就是日舞影展最可愛的地方。
日舞影展以鼓勵年輕優秀的電影創作者為宗旨。年輕就是名氣還不大；年輕就是巴望著自己的創意和才華，能讓更多的人聽見或看見；年輕就是願意多和別人切磋觀摩…基於這樣的前提，日舞影展的官方網站做了一項很值得台灣人參考的創舉，就是在官網上讓你一舉看遍今年的短片和動畫作品。
你只要點選http://festival.sundance.org/2006/watch/index.aspx?guide=all 這個網址，只要你家裡裝有寬頻，你可以相當流暢地觀賞到今年日舞影展的四十七部參展作品，至於得獎的作品則是另有標示，可以讓你更快速地找到今年最拔尖的創作。
如果英文夠好，你可以聽到名導演文．溫德斯和演員兼作家山姆．薛帕德的對談，還可以看到各式各樣的活動表演和創作者的心情交換。
看到日舞影展的影音連結平台，你真的必需歎息，做一個影癡，你真的願意定期來這裡朝聖。只有在這裡你才可以和美國的獨立創作精英一起呼吸，一起體會他們心靈運算的成果。
反觀台灣，口口聲聲說要建立影音平台，可是我們到底做了什麼？口號多過行動，一切都是讓長官好做官而已，不曾真正落實到電影人的血肉生命中。
1996年，我擔任中影製片部經理時，台灣的網路風潮還正在起步階段而已，我在公司主管還搞不清楚狀況之前，就搶先登記了一個http://www.movie.com.tw/台灣電影網的網址，這個網址的真正意義是任何一個外國人如果想要查詢台灣的電影現況，卻不知道如何下手，直接用最笨的查詢方式，在搜尋欄打上movie和com.tw來連結，就一定會連上中影的網站。「讓中影成為台灣電影的入口查詢網站吧！」我在簽報長官的公文上這樣寫著。
長官其實是不上網的，長官其實是搞不清楚狀況的，但是長官至少聽過網路，為了不讓自己顯得太落伍，欣然批了個可字。但是我在中影只待了半年，那個網站乏人經營，中影從來也不知道如何利用網站的力量來吸聚電影人口，你聽過民間有心人經營的「開眼」http://www.atmovie.com.tw/ ，雅虎和kingnet資訊網（http://movie.kingnet.com.tw）的資訊也很多，他們都是民間力量，但是資料至少一點一滴在往齊備的路上邁進。
有官方資金介入贊助的網站，坦白說只有台灣電影筆記最值得一看，點選http://movie.cca.gov.tw/index.asp的網址，你多少還會覺得那真是一個電影愛好者的可以落腳，可以呼吸的地方，至於光點台北（http://www.spot.org.tw/）、國家電影資料館（http://www.ctfa.org.tw/）以及新聞局的哈台影音快遞（http://www.gio-media.com.tw/newsletter/list.html）也都還有些活動內容可以查考，雖然官方機構的內容都殘缺不全，名字你記都記不全，內容甚至規畫得零零落落，純粹只是虛應故事，納稅人的錢真的被人白白給浪費了…但是就算是這麼不堪，你根本不會用到台灣電影網來查資料。網址真的不重要，你不會經營，你沒有經營，不過是佔著茅坑不拉屎的過客而已。
匆匆十年過去了，中影已經風雨飄搖，老闆換了人，公司可能會在二月二十八日之前就結束營業了。員工正愁拿不到薪水了，誰會去經營那個網站呢？匆匆再點一次http://www.movie.com.tw/，你就看到那個網站名字叫做「電你網」，你就赫然發現網站上最後登錄的活動是去年六月二十二日的「少年耶！來學拍電影ㄟ！」活動訊息，最後的影片則是去年十月二十一日映演的中國電影《芬妮的微笑》的介紹，中影公司的影片檔案只有區區的五頁，不到三十部影片的籠統介紹而已。
中影曾經是台灣最大的電影公司，如今呢？電你網彷彿成了外界追悼中影公司，追悼台灣電影的一個紀念碑了。有空上去看看，你或許會對台灣電影衰敗的實況有更深的體會。
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雪中送炭最是盛情感人；雪中定情的道具什麼最合宜呢？
只為了一顆發餿的饅頭，《無極》中的謝霆峰，就被張柏芝剝奪了做好人的機會。
只為了一碗吃剩的殘麵，《如果愛》的周迅搭上了金城武，想借他的住處洗個澡。
只為了拋錨的車子重新運轉，《顫慄時空》中的綺拉．奈特利永遠記掛著在美伊戰爭中腦部受傷的退伍軍人安卓亞．布洛迪雪中送炭的義舉，他送她的那面兵籍牌，就成為少女賈姬定情的禮物。
人生非常奇妙，刻意的經營，未必能達到預期效果；無意間一個小小的動作，卻往往可以給人刻骨銘心的記憶與烙印。採拾無意間投擲的漣漪，激盪放大出層層的波 紋，就是電影創作上經常使用的手法。所有的無意，其實，也就是故意壓低姿態的刻意。電影是高密度的創作，看似無意，實質卻是故意，看得出手痕，意境就遜； 看不出脈絡，才有水到渠成的快感。
《顫慄時空》其實就是現代版的《似曾相識》加上《魔鬼終結者》，當然，另外加了變奏。
《似曾相識》為的是當下未能得圓的愛情，要回到過去，完成無解的惆悵與相思。《魔鬼終結者》是為了解決當下的生死存亡困境，乾脆回到過去時空，意圖改寫歷 史，省卻未來的爭戰煩惱。這兩部電影都是想回到過去，只是前者穿梭時空只為一段情，後者回到過去，則是要改變現狀，創造適者生存的生機。
《顫慄時空》採用了《似曾相識》中為情圓夢的呼喚；另外採用了《魔鬼終結者》中歷史可以改寫，生命可以重來的邏輯，雜混重組之後，再把時空座標往後挪移， 要男主角安卓亞．布洛迪奔向未來，從事件結果中推理出事變原因，尋找癥結源頭，讓人生可以重新來過，讓當年一段無心插柳的路邊情，有了花團錦簇的可能。
綺拉．奈特利在《顫慄時空》中的角色原本只是路邊一個孤苦無依的小女生賈姬，母親嗜菸又磕藥，冬天雪地裡，車子拋錨卻又完全無能為力，正在路邊挨餓受凍 時，遇見了安卓亞．布洛迪，沒有人知道他是不是修車專家，總之，他搬弄兩下，車子就重新發動了，兩人歡呼擁抱，此時，半昏厥的母親猛然醒來，懷疑他是別有 居心的男子，大聲叱罵，要他把髒手拿開，讓知情的女兒滿心愧咎，但也只能黯然分手。
這場戲是《顫慄時空》的關鍵戲，但是銀幕乍現時，水波不驚，易讓人以為只是無聊的過場戲，只有最後抽絲剝繭，真相大白時，才會赫然發現「巧遇不是偶然」， 一切都是算計，就像麥可．道格拉斯在《致命遊戲》中的所有際遇都是遊戲情節一般，「恍然大悟」成為電影迷宮中最重要的一劑解藥。
《顫慄時空》其實有些小趣味與小失誤的。
先說失誤：例如安卓亞初識賈姬時，嫌天涼，特別解下頸上圍巾，幫她禦寒，那是很溫馨的小動作，可惜，下一個鏡頭中，那副圍巾又回到了安卓亞的頸上，那是很 可怕的失誤：第一，圍巾失去了定情功能；第二，暴露了場記的不專業，大大降低了電影的說服力。來去未來，同樣只為一段情。
再說趣味。看過《似曾相識》的朋友不會忘記在大飯店裡當服務生的亞瑟，因為亞瑟，男主角才會走進博物館看到女主角的肖像，才有動能回到從前，後來，當他在 舊時光中再遇到童年時沒地方打球的苦悶亞瑟時，男主角和觀眾都有一種「哈，我知道你是誰，可惜，你不知道我是誰」的捉狹快意。
同樣地，在《戰慄時空》中，安卓亞全力要來改寫歷史，正因為他知道真相，所以他所做的每一個小動作都是「用心良苦」的行為，每一回見到童年賈姬，他都不忘 播下愛的種苗，讓年紀小他一大輪的賈姬保持好感愛苗，甚至還會提醒賈姬的母親要用「小花瓣」來稱呼女兒，他就像知曉天意的先知，用自己的行為來洩露天機， 創造自己苦盡甘來，卻能夠重生的契機。此時，因為觀眾也知道真相了，所以也共同參與了他的甜蜜陷阱計畫，精心布署他的蜜甜未來。
當然，安卓亞和綺拉在雪夜中再度相逢的那一天是聖誕夜，更是精心安排，因為是聖誕夜，呆站在雪地上的安卓亞篤定叫不到車，心情苦悶卻宅心仁厚的綺拉才會 「停車暫借問」，才讓安卓亞發覺她就是賈姬；不是聖誕夜，醫生不會急著下病，而忘了將安卓亞從屍體櫃中拉出來，才讓他有機會穿梭時空。至於為什麼是聖誕夜 呢？那更是西洋文化的重要迷信了，聖誕夜是神蹟顯靈的夜晚，只有奇蹟才能改寫人生傳奇。《戰慄時空》格局不大，但是小陷阱小趣味還不少，就看大家如何解讀 了。
至於美豔的綺拉，一開始眼影畫得太深，看得出她的寂寞，但是菸抽得太兇，酒喝得太猛，具現了一位失職母親對女兒造成的不良影響，所以等她得悉真相，戮力幫 忙安卓亞時，清素的模樣才有了洗心革面的對比。但是，她有易胖的體質，臉蛋也不夠嬌小，醉和醒之間的差距不夠鮮明，都可能是她從影人生的障礙，等待著她努 力瘦身以跨欄成功嘍！
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事實卻不然，太多的電影硬是配角比主角搶眼。《第六感生死戀》中的靈媒琥碧．戈德柏就是典型實例；《畢業生》裡的羅賓遜太太，就硬是比她的女兒搶戲。
回到古典戲曲的世界中，可能就看得比較清楚，《梁山伯與祝英台》中的四九與銀心，有插科打諢和綠葉旁襯的效果，可是戲份和表現都不會搶過梁山伯與祝英台與丰采。
相似情況也出現在《白蛇傳》中，白素貞當然是主角，小青只能是配角，除非你是李碧華，故意要來做翻案文章，故意讓《青蛇》也有機會動色心，嘗試雲雨情，否則白蛇就是主，青蛇就是副。
問題在於《西廂記》的女主角到底是紅娘？還是崔鶯鶯？不是崔鶯鶯，張君瑞不必那麼辛苦爬高牆；可是沒有紅娘，《西廂記》還有什麼好看的呢？
真正的問題在於主角如果真的實力和外型都不夠強，鎮不住場面，當然就會被配角搶走了鋒芒，《靈異第六感》的布魯斯．威利完全不敵小童星海利．喬．奧斯蒙 （Haley Joel Osment）最是殘忍；《無極》裡的張東健、真田廣之、張柏芝和謝霆峰四個大牌完全不如劉燁搶眼，更是 殘酷。
珍奧斯汀在她的《傲慢與偏見》中曾經說二姐伊麗莎白，美麗遠不及她的姐姐珍；達西先生在第一次的舞會中也曾經說這場舞會中，只有珍的丰彩最是驕人。這句評 語，恰巧被伊麗莎白聽見，她不能爭辯，只能承受，只能暗恨在心。問題在於伊麗莎白才是《傲慢與偏見》的主角，達西先生肉體和魂魄都為之著迷的也是伊麗莎 白，而非珍，如果你是《傲慢與偏見》的導演，最漂亮的女星應該派來演伊麗莎白或是珍呢？
要忠於原著，外貌第一名，當然是珍，可是並不代表智慧和靈氣也同樣由她拿第一，伊麗莎白就是以聰明和智慧見長，才能征服達西先生。這時候，電影創作者幾乎 沒有其他選擇了，女主角如果美麗和靈氣都排第二，觀眾的信心與眼光就都不會認同與追隨伊麗莎白，選中才年紀才二十歲，卻已經有耀眼光芒的綺拉．奈特利 （Keira Knightley），其實是非常明智與必要的決斷。
電影明星與一般人最不一樣的地方在於尋常人就像大海撈針，看過即忘，很難有印像，然而明星一亮相，你的眼睛就會隨之一亮，你的目光就會追隨他，綺拉．奈特 利在《亞瑟王》中就以Guinevere野性十足的女戰士形象讓人驚豔，你立刻就同意亞瑟王一定會臣服在她的石榴裙下；同樣地，在《傲慢與偏見》中，姐妹 再多，就是沒有人能夠遮住她的光芒，甚至你一定會同意只有她的尊嚴與智慧，可以承載家族的私密，甚至在看完電影之後，你根本不記得其他丫頭長成什麼模樣 了。
雖然，《女魔頭》的南非影后莎莉．賽隆已經鐵口直斷說：「綺拉．奈特利完全沒有得奧斯卡獎的機會（茱蒂．丹契也沒有）！」今年奧斯卡獎的大節氣或許是在美 國本土，而非英國，但是電影與人生最不相同的地方就在電影放大了人生影像，綺拉．奈特利的倩影，綺拉．奈特利的笑靨，都是《傲慢與偏見》最鮮明的印記，那 就是明星功能的充份發揚了。至於飾演珍的Rosamund Pike是何方神聖？你記得嗎？你關心嗎？
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我願意和愛人一起守著陽光，然而，一旦陽光來得不巧，可是會爆笑，破壞情調的呢！
陽光代表什麼？
有人選擇希望，有人選擇熱情，有人認為是光明，有人認為是生機…
《明天過後》的陽光普照時，超級風雪已止，救難專機開始出動，浩劫人生有了轉機。
《阿拉伯的勞倫斯》中，刺眼的陽光，讓人睜不開雙眼，教人全身冒汗，不如此，你感受不到勞倫斯的辛苦與勇氣。
同樣是《阿拉伯的勞倫斯》，阿拉伯軍隊終於攻佔土耳其要塞時，勞倫斯騎著駱駝，在紅通通的夕陽下來到海邊，那是將軍百戰成功的榮光。
《俠女》中，力不敵喬宏，假裝臣服的韓英傑，變生肘腋，一把刀刺向喬宏小腹，一抬頭，陽光就從喬宏腦後迎面罩下，韓英傑驚慌莫名，小人固然可以得逞一時，最後成就的卻是一代名僧的得道仙逝，標準的「禪的一觸（A Touch of Zen（《俠女》的英名片名）」。
《黃士地》中的炙熱陽光總是伴隨著龜裂的土地出現，接下來你就會看到一張張黝黑乾巴的臉孔，祈求著龍王能降甘霖。
可是，什麼時候你看到陽光閃動時會忍不住大笑起來呢？
答案在2005年的新版《傲慢與偏見》中。
《傲慢與偏見》是英國女作家珍．奧斯丁的作品，原著小說中非常委婉地呈現了十八世紀英國兒女對愛情的渴望。歷來有無數的影視改編版本，大家計較的無非是誰比較像達西先生，誰能夠具現伊麗莎白的機智與細緻，這些都是文學改編的主要噱頭，但是很難有眾議咸同的共識，因為大家在讀小說時都已經有了自己的圖像，像不像？遠不如演得好不好？更引人關切。
讓我爆笑的陽光出現在歷經波折後，傲慢的達西與伊麗莎白終於在露水未乾的清晨相見了。他們都是輾轉反側的癡人，他們都被愛情的利齒啃噬得徹夜難眠，搶在日出之前走野外散心，陌上相遇，四目相對，一切已不需再多言語了，所有的矜持與傲慢身段都該放下了，於是達西開口示愛，伊麗莎白欣然首肯，兩人頭越靠越近，唇和心的距離也一步步不見了，終於人和唇者相連在一起了，此際天破曉了，陽光出來了，最超級神奇的是，陽光非常準確地就從他們的面唇交接處直接射了進來，亮澄澄的光芒點出了他們的喜悅，也點燃了觀眾的期待。
原著小說中，達西和伊麗莎白只是沿路走著，談著，完全忘了時間，沒有陽光，也沒有風露立中宵的癡情。陽光就是電影的新設計，而且這道陽光絕對不是巧合遇上的，這道陽光是工作人員等候多時，就守著黎明破曉的那一刻，要晨曦才剛爬上樓台，要草上的露水還在晶瑩燦閃的時分，捕捉到光芒直射的那一剎那。
但也就在此刻，我忍不住大笑了起來。
我不是故意要破壞情調，守住陽光守住你，那是多美麗的人生美景啊！我不是不解風情的人，但是那道陽光卻讓我看到人工，而非天意。是天意，就有渾然天成的美；是人工，就有刻意打造的造做，藝術的境界固然很多時候都是巧心加巧手的結果，但是看得出痕跡，意境就淡了，就遜了。陽光在山崗背景跳了出來，很美，那是他們愛情生活的黎明破曉；然而陽光直直從戀人的雙唇中跳了出來，嗯，那就是人工美了。
親愛的珍．奧斯丁女士，請原諒我的唐突與失禮，我不是要故意狂笑破壞情調的。我很喜歡2005年的《傲慢與偏見》，更喜歡漂亮的女主角綺拉．奈特莉，但是那道陽光，真的，讓我的偏見囂張了起來，讓我傲慢地狂笑了起來，請接受我的道歉。
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讓你額頭淌汗，心跳加速的電影，才會讓你覺得小錢沒白花。
如果你帶大腦去看《驚聲尖叫（Scream）》導演韋斯．克里文的新《赤眼玄機（Red Eye）》，可能會神經短路，覺得處處不通。
如果忘了帶大腦去看呢，《赤眼玄機》其實還很能刺激你我的腎上腺素，期待著電影中緊張的下一步結局呢。
我從來不排斥把大腦放在枕頭上，只靠腎上腺素來刺激心跳，畢竟那也是娛樂電影很重要的條件。
《赤眼玄機（Red Eye）》的英文片名Red Eye不是指殺人魔殺紅了眼（只是在預告片裡玩了小小的噱頭），可是片名取得好，就容易製造多重解讀的氣氛，本片的Red Eye指的是便宜的夜航班機，擔任客房經理的女主角瑞秋．麥登絲（Rachel McAdams）參加完外祖母的葬禮後就要搭機回家與老爸相會。偏偏天候不佳，飛機延誤，她遇上了俊帥的西利安．墨菲（Cillian Murphy），原本以為是天作之合，孰料卻上了恐怖份子精心布置好的一場陷阱。
禁閉的空間，卑微的苦命主角得不到外界的奧援，是多數經典恐怖片都不捨得放棄的元素，但是元素妙不妙，不在會不會運用，而在於前提夠不夠說服力，運轉得順不順暢。
《赤眼殺機》的劇情其實很簡單，矢志要以嚴厲手段制服恐怖份子的美國國土保安長官就要進駐瑞秋的旅館，但是西利安則是在飛機上制服了瑞秋，又用她老爸的性命做要脅，逼她運用職權另行更換房間，好讓黨羽得以能從海上進行飛彈暗殺行動。
問題就在於這種威脅行動，隨時隨地都可以進行，不一定要上飛機。硬要擠進飛機去，不但多此一舉，而且狀況變數多：萬一天候不佳，不能起飛；萬一通佳不良， 無法打通電話；萬一閒雜人太多，拆穿他的詭計…數也數不完的漏洞，硬是撲風而來，讓你的大腦不斷快速運轉，幾乎到了快要失控失火的程度。
韋斯．克里文不是一位很會說故事的高手，但是他有控制節奏和氣氛的能力，不管劇情通不通順，他就是能夠順著關節一路掰下去：例如老爸才把錢包放在桌上，就 有人伸手拿走，而且快遞到另一個機場；例如雷雨天等飛機，就讓你有不祥之感；例如機場遇上奧客，就讓西利安找到介入的關鍵；例如好端端就要帶出國土保安部 長官的身份…太直接的手痕、太過鮮明的道具、太多刻意的巧合，都只會讓人搖頭失笑，卻是韋斯．克里文卻能橫衝直撞地告訴你，電影就要在這樣不管合不合理的 基礎下飛躍前進。
不管如何，西利安如何在狹小的機艙內控制瑞秋，完成他的勒索，其實就是《赤眼殺機》真正的趣味所在，所以他說翻臉就翻臉，帶著笑容透露自己的威脅動機的那 一場戲，明明大家都已經心理有了準備，還是會被他的坦率嚇了一跳，這麼早就攤牌，後面還有怎麼演下去呢？接下來，他又直接用頭把瑞秋撞昏，更是罕見的怪 招，突兀與不合常理的動作與情節，同樣也是驚悚電影的要素，韋斯．克里文倒是運用得很純熟，所以才會緊叩觀眾心弦，在老舊和硬拗的格局中，繼續等待著結 局；繼續看著他們在廁所裡搏命，卻被空中小姐視為賓館偷情的冷笑話；繼續看著咽喉被筆插中還能夠萬里追殺的神話。
後來的機場逃生，飛車亡命，同樣是遵循節奏擺第一，情理放兩旁的基本公式，流暢的運鏡與剪接，讓電影不致冷場，這時，一場最別致的海上飛彈攻擊事件，更把 本片「千山萬水擋不住，我就是要這樣硬幹」的創作心態發揮到了淋漓盡致。至於最後的浴室追殺戲則是總算得到了些希區考克的場面調度的神采了。
腎上腺素讓我們心跳加快，讓我們流汗，雖然很廉價，然而便宜租個ＤＶＤ回家，一家四口看看，還是覺得不帶大腦看電影的感覺，挺不賴的。 < !--END新聞內文 -->
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選材的多樣性，就可以窺見電影工業的生命力。
看到《千杯不醉》的片名，你一定會想到酒。是的，酒的電影不好拍，好拍的話就不會掐指算來卻算不出三五部來了。
酒的電影怎麼拍呢？喝不到，聞不到，是不是只能像《尋找新方向》那樣從品酒哲學中找到人生趣味？還是像《紅高梁》那樣，以酒坊主人和釀酒傳奇來說故事，還是像《失去的週末》和《遠離賭城》那樣，以酒徒的悲慘人生做重點呢？或者從醉拳做文章，拍出武術史上的傳奇《醉拳》呢？
爾冬陞的《千杯不醉》其實是一部以酒食為包裝，實則以男女情愛為重點的市井小人物傳奇故事。在看電影之前，我從來不知道香港有所謂的啤酒小姐，三三成群， 遊走在夜市或火鍋店去向民眾勸酒，要當啤酒小姐，酒量一定要好，不但能說笑、更會自嘲，不但老闆歡迎，更能逗客人開心，酒喝得越多，她們賺的錢就越多。問 題是這樣的職業，這樣的工作背景，能創造出什麼樣的愛情故事？
這些只勸酒卻不賣身的女郎，每天見盡男人喝醉後的各種德性，印像最深刻的當然就是男人會自吹自擂，還會挖心剖腹公然求歡求愛的各種醜態。爾冬陞看中《千杯 不醉》的趣味就在於明明女主角楊千嬅已經看透紅塵是非，偏偏她是單身一人，就會期待愛情，就會在醉酒男人中找到一個還算順眼，還可以改造的對象。楊千嬅糊 裡糊塗和經營餐廳失利，買醉療傷的吳彥祖沾上關係，也就莫名其妙地同居一間房，進而投資他開菜色古怪的法國菜餐館，甚至捲進了另一位連鎖餐廳女經理的橫刀 奪愛三角戀中。
《千杯不醉》的構想不錯，骨架也有形，可惜的是血肉不足。既然要拍酒國和美食文化，卻沒辦法在菜色中找出人間對話關係，也就是酒歸酒，法國菜歸法國菜，各 自有一片天，卻相互連結不在一起，唯一可以和劇情扯在一起的就是「十大出事烈酒」的那場做媒大會 ，楊千燁的狐群狗黨想將男女主角灌醉，好讓他們大醉圓房，劇情的發展是一如意料，但是卻與《千杯不醉》的原題有了出入，畢竟楊千燁真要「酒不醉人人自醉」 才能成就姻緣，然而如此一來卻與千杯不醉的本性完全不合，為了成就這段姻緣，前面的千杯不醉鋪排都成了白忙一場，感覺就是牽強，愛情也就有了勉強的感覺。
其次呢，吳彥祖既然要做前衛青年，立志要推廣法國菜，為何又會接受胡靜飾演的餐飲界女强人的邀約，成了迎來送往的餐廳經理呢？劇情不能與人格相連，劇情的發展完全推翻了前題假設，那就是編劇的盲點，導演不能導正盲點，也就讓劇情完全喪失說服力了。
《千杯不醉》是小人物的愛情故事，街坊酒肆的每個配角都有形有神，可愛極了，尤其是方中信飾演的黑道大哥角色，平日就色厲內荏，卻又喜歡打腫臉充胖子，每一次出場都讓人捧腹大笑，完全顛覆了他過去的酷男形象，去年的金馬獎肯定了他和楊千燁的演技，還真是很中肯的評斷呢。 < !--END新聞內文 -->
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閱讀宮崎駿有很多方式，今年春節，細讀一本五百多頁的書，突然就明白了「仰之彌高、鑽之彌堅」是什麼意思了。
提起宮崎駿，愛看電影的朋友們一定都可以琅琅上口說出從《風之谷》到《霍爾的移動城堡》帶來的感動，但是你看過宮崎駿寫的書嗎？
今年春節，最有意義，也最意想不到的收獲就是買到了一本作者署名為宫崎駿，厚達五百六十七頁的書：《出發點1979～1996》。過年的每一天它都是最後陪我入眠的作品，每天看個十來頁，唇角都是微笑，覺得生命和智慧都有靈光閃動，快樂的不得了。
宮崎駿如果出書，通常人們都會和繪本或影像集連想在一起，事實上，宮岐先生出版過的書還不到二十本，不論是《宮崎駿形象集》、《風穀的諾西卡》、《鄰居得得露》、《天空之城》、《宮崎駿雑想筆記》或《飛行艇時代》都是以繪本、水彩畫集、漫畫或影像集為主的作品，只有1996年由德間書店出版的《出發點 1979～1996》集結了他出道以來十七年間接受媒體採訪、去演講，或是自己寫過的文章，充滿了夫子自道的精神，也揭露了不少他個人的偏好與品味，每一篇文章都讓我看到了他的眼界與心靈，讓我興奮的程度不遜於他過去的每一部作品。
例如他就在「我想創作的電影」一文中（事實上那是他對仙台八幡小學六年級同學的一場演講紀錄），非常精準地點出了他在畫動畫的時候曾經研究過各種生物的走路速度，一般小朋友通常是一秒鐘走兩步，可是，小老鼠呢？人類總是覺得老鼠不走路，都是用跑的，可見得老鼠的一步走得有多快！大象一步是兩秒，小老鼠一步快得數不清…可是，他要介紹的不是生物學上的統計數字，他是要教大家如何來感覺一秒鐘。
我們的一秒鐘對蟲蟲而言就可能是一百秒那麼長，所以呢，人也許躲不過雨滴，蜜蜂卻可能躲得過；就像老鷹能夠自由自在順著氣流飛翔，是不是因為它的速度感與時間感和我們不同，所以它可能看得見風呢？就像蜜蜂採蜜的動作只有透過高倍顯微鏡才看得出來它所有的動作，所以呢，也許花粉的模樣看在蜜蜂眼裡，反而長得像是饅頭、香腸或湯圓呢？
正因為有這樣的想像力，有不同的人生角度標準來看待事物，宮崎駿的動畫電影每回才都能打開我們心靈視界，看到不一樣的人間風景。
另外，宮崎駿也特別推崇大師導演黑澤明的《生之慾》是一部真正的電影。我也很喜歡《生之慾》，可是宮崎駿看電影的角度，受感動的程度卻遠超過我的想像與理解。
提到《生之慾》，所有人都會對男主角志村喬獲悉自己罹患癌症後，從痛苦煎熬過渡到想找回青春的種種掙扎，最後終能起而扺抗公家機關的官僚主義，遺愛社區的那段心路歷程，一掬同情之淚。可是最讓宮崎駿感動的畫面，卻是志村喬每天案牘勞形，既重複又機械性地就一些毫無意義的公文蓋著章，蓋著蓋著，公文堆積如山，生命就在這種毫無意義的形式主義底下消磨殆盡。宮崎駿認為志村橋「以精準的節奏進行他可悲的工作，這樣的影像，有著直迫人心的張力和洋溢著真實觀，令我覺得要正襟危坐觀看才行，在一個電影導演的一生中，能夠創造出多少這樣精彩的影像？而我正和創作者一生的結晶交鋒啊！」
看到這段文字，其實我是嚇出一身冷汗的。看到這段描述，我才驚覺自己距離大師的心境有若天壤之別，大師就是能夠見人所未見，大師就是能夠在最幽微的角落提煉出人生最無價的智慧。
在《出發點1979～1996》中，宮崎駿也告訴我們：「我幾乎不曾為了創作而去閱讀書籍，無論是電影或是漫畫。因為我向來是隨心所欲地亂讀一通，而當我進入創作階段而手忙腳亂之際，如果幸運的話，便可從那些書的片內容中拼湊出一條線索或是主軸…」可是看到他坦承從「格列弗遊記」中找到《天空之城》的靈感；看到他從考古學著作「羚羊道」中盛讚日本人最幸福的時代是沒有政府也沒有國家的繩文時代；看到他在深厭日本人的軍國主義言論後，因為閱讀了「栽培植物與農耕的起源」，心底油生「風輕輕拂過，國家的框架、民族的藩籬，歷史的苦痛，全都從腳下遠揚，常綠闊葉林的生命氣息流進了喜愛麻糬和納豆等黏性食物的我的生命之中」我就都好想好像也能再有那些悠閒時光，逐一地跟著他的閱讀腳步，再去唸著「格列弗遊」，或者找來「羚羊道」和「栽培植物與農耕的起源」等書來細看，到底是怎麼樣一顆細緻的心靈，才得能在這些書本的字裡行間中孕育出那麼寬厚的魂魄。
《出發點1979～1996》是台灣東販出版的中文全譯本，對我而言，本書是認識宮崎駿最重要的一本文字聖經。我好幸運，能在春節期間一章一章地翻閱著，我且把這份的幸福，轉化成文字，分享給來這兒歇腳的朋友，相信大家不必「風簷展書讀」，亦有「古道照顏色」的快意的。
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夢幻的組合，成就了夢幻的樂章，《藝伎回憶錄》還好有這麼動聽的樂章。
2006年的二月八日，知名的電影音樂作曲家約翰．威廉斯（John Williams）就要歡慶七十四歲大壽了。
很多人在七十四歲就要退休了，但是他卻在七十四歲生日前一個星期又悄悄締造了一個高峰奇蹟，第七十八屆奧斯卡提名名單中，他分別以《藝伎回憶錄》和《慕尼黑》兩部電影音樂，獲得了最佳電影音樂獎項的提名，使得他累積的提名次數達到了四十五次，和電影作曲大師亞弗瑞．紐曼（Alfred Newma）並列影史第一。
整整半世紀前，剛出道的約翰到了好萊塢發展，就是獲得當時福斯公司的音樂總監Alfred Newma賞識，聘他擔任鋼琴手，才得以進入電影音樂創作的世界中，奮鬥了半世紀，終於得能追上老師腳步，得能和心中偶像並駕齊驅，他的感慨應該是遠超過我們這些隔著太平洋寫文章的人能夠想像的。
今年奧斯卡最佳電影音樂獎項的提名《藝伎回憶錄》和《慕尼黑》，其實是兩部風格完全不一樣的電影音樂，約翰是在去年九月全心全意先去做《藝伎回憶錄》的音樂，十月和十一月再轉身去做《慕尼黑》的電影音樂，「那是一百八十度的大改變。」約翰笑著說：「如果你同時做兩部愛情電影的配樂，想要做出風格完全不一樣的音樂，那可是真難呢，還好，就是因為風格大逆轉，從愛情文藝片轉到了暗殺悲情電影，反而可以有全新的表現空間。」
2005年，約翰一共完成了四部電影音樂，分別是《星際大戰三部曲：西斯大帝的復仇》、《世界大戰》、《藝伎回憶錄》和《慕尼黑》，從陽剛史詩到電子音樂的迷離動亂，從日本樂器到波斯樂器的雜揉混和，風格各不相同，給人的感覺是大師繼續在往前探索電影音樂的各種可能性。
早在1997年《藝伎回憶錄》的小說問世時，約翰就先看了小說，喜歡得不得了，一聽到史匹柏買下了小說版權打算拍成電影時，他就跑去跟史匹柏說：「如果你要開拍《藝伎回憶錄》時，可不能找別人來配樂哦，我會寫出很精彩的音樂的。」後來，雖然史匹柏改任監製，換成《芝加哥》的導演羅勃．馬歇爾，但是史匹柏沒有忘記老友的叮嚀，硬是做東安排了約翰和羅勃一起用餐，飯局中，約翰暢談了他的音樂想法，兩個星期後，他接到羅勃打來的電話，聰明的羅勃做出了最聰明的一項決定：確定了由約翰出任音樂作曲。
「我雖然很喜歡《藝伎回憶錄》的小說，」約翰說：「但是我從來不曾看著小說或劇本就來創作音樂。」這正是他音樂創作生涯中最關鍵的奧秘，「我一定要看到影像，受到影像的刺激才會油生相對應的音符。」約翰對羅勃．馬歇爾的畫面經營給予高度的評分，他說：「當我看到《藝伎回憶錄》的影像時，覺得實在是太美了，其實，我八年前讀小說時，很多細節早已忘光了，看到影象時，整個人才又像回復了當時看小說的感動。」
創作是極其神秘的，許多當代音樂家只要坐在電腦前，或是手彈著鍵盤，就能源源不斷地彈出樂音，但是約翰的創作手法很古典，他依舊是拿著鉛筆在舊式的五線譜上寫下自己感動的樂章，而且非常強調影像的對話效果，「因為我寫的是電影音樂啊！」約翰如是說。
《藝伎回憶錄》的演員表現、場面調度與東方美學很多人有不同看法，但是該片的音樂力量與成就卻是眾議咸同的，沒有約翰的音樂來妝點與煽情，《藝伎回憶錄》的成績恐怕還要褪色五分。雖然有些太鼓的樂聲旋律，並沒有擺脫《末代皇帝》主題樂章的東方魅影，但是東西樂器的相融、知名演奏家的如虎添翼都讓《藝伎回憶錄》的音樂更添魅力，最適合來做電影音樂教學範本的素材。
《藝伎回憶錄》中的東方樂器包括了太鼓、三味線、尺八和箏，聲稱最佩服日本作曲家武滿徹的約翰就認為箏的音感與西洋的豎琴非常相似，所以他試圖先用箏來做開場，再以豎琴來接替，東西交融的音樂效果，既讓箏的音色更顯光輝，同時不但保持了原著希望經營的東方情調，卻又能有更多西方音樂情境的互動與共鳴。
此外，馬友友和帕爾曼以大小提琴來詮釋電影主題的做法，更是高明的藝術登峰及商業行銷的平行策略，因為，有了馬友友和帕爾曼的助陣，《藝伎回憶錄》的原聲帶肯定更好賣，更重要的是在名琴家的詮釋下，《藝伎回憶錄》的音樂境界才得以更上層樓，約翰和馬友友相識多年，他曾經形容說：「替一位相識多年的老友樂聲來寫點東西，本身就是個靈感（I think when you sit down to write for someone whose voice you know so well, that in itself is an inspiration.）。」事實上，馬友友對藝伎主題的詮釋也卓然有成，寫作本文的此刻，我不需要重聽《藝伎回憶錄》的原聲帶，口中，心上，自然浮現的都會是馬友友的大提琴樂章。
至於《慕尼黑》的音樂怎麼樣呢？對不起，電影還沒看，今天僅能整理外電資料，另外加了一些看法完成這篇文章，來替大師暖壽，祝大師能順利拿下他的第六座奧斯卡金像獎嘍！
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郭富城主演的《三岔口》劇情有些盲點，但卻是一部緊湊好看的警匪電影，相對於其他港星油氣老套的表演，他的出線，確實讓人一新耳目。
曾經說過「從來沒想過自己會同金馬獎扯上關係」的郭富城，在2005年十一月得到金馬影帝時，許多人都認為是黑馬出頭，口氣有點酸，有點質疑，可是未必能說出個反對道理來，原因是郭富城得獎的作品《三岔口》還沒有在台灣上映。
我真的看到《三岔口》時，卻是在春節期間，距離郭富城得獎，已經過了兩個月，我不曾注意到《三岔口》是不是曾經在台灣映演過，畢竟我看的不是大銀幕上的《三岔口》，而是靠ＤＶＤ來理解。
我的結論是：《三岔口》是一部被忽略的電影，郭富城不是真正的演技高手，但是至少，他很努力，也很真誠地演出電影中那位失去愛人的警察角色。相對於其他港星的誇張與重複，他的真誠格外珍貴。
郭富城最大的障礙在於他的形比戲突出。在「香港四大天王」中，郭富城的外貌不算最俊美，卻是最有陽剛氣的，加上他的身材堪稱是天王中最勻稱，最健美的一位，使得他未必適合在脂粉群中演出愛情纏綿戲，因為發達的肌肉是他的特色，卻也成為他的負擔。從早年杜琪峰執導的《赤腳小子》以來，郭富城能打，卻未必能演，成為很多製片人的成見。
《三岔口》中他在街頭上追逐吳彥祖的那場奔跑戲中，我們看到一個永遠不會疲累的肉體，以超強的意志和體能，以飛豹般的矯健英姿奔竄街頭時，你會讚賞他的勇猛。看到他和吳彥祖在菜市場中，被塑膠袋罩頭，幾乎無法呼吸，還要大打出手的拳腳戲；看到他和鄭伊健在停車場上，纏著一根鋼絲又翻又滾的生死決戰時，你會讚賞他的俐落。再加上導演陳木勝喜歡測試他從高樓跳到快速道路上時，站都站不穩，還要避免撞上車子；以及車子撞來撞去，整個人就要滾進車輪底下的肢體反應，你會讚賞他的平衡與機警，他一定會同意是四大天王中真正適合演出動作戲的演員。
然而，勇猛、俐落和機警都不是一般人所認定的表演藝術，那是武打演員的基本技術，進入角色的內心與靈魂才是功力。
《三岔口》的片名字取材自京劇著名的武生戲碼，戲名也同樣叫做《三岔口》，原本是北宋楊家將故事的野史傳奇，描寫焦贊打死奸臣王欽的女婿謝金吾，被發配沙門島，夜宿黑店，還好有楊延昭派出部將任堂惠一路暗中保護的故事，三方勢力在黑店中角力的故事，戲劇張力和動作趣味十足。陳木勝導演對於電影的進一步解釋則是：「《三岔口》是一個很黑暗的地方，身在其中每一步都不能走錯，一出錯就是死亡。《三岔口》電影就是這樣的意境。」電影中的三方勢力就幻化成為一個失去摯愛的警察孫兆仁（郭富城飾），一個不守規則的殺手（吳彥祖飾），一個遊走於法律與正義之間的大律師杜厚生（鄭伊健飾）。
電影是由曾經編寫過《甜蜜蜜》、《男人四十》和《特務迷城》的作家岸西負責編劇，她在接受媒體訪問時曾經這樣說：「一個員警失去了女朋友，一個洗黑錢的人要對付證人。我是先想到這兩件事，因而我需要一個員警，一個壞人，一個律師，那還有一個人去幹掉這個證人，那就是殺手了。」不過，受限於片長，岸西給予吳彥祖和鄭伊健的戲份都只有淡淡的旁襯，焦點因而全都轉而集中於郭富城身上，內心戲因而也就成為郭富城最大的考驗。
從一開場他在飛機上押解人犯，看到女乘客，就成了李心潔；打開雜誌看到的廣告人像，也成了李心潔，短短的兩分鐘內，他的癡心與恍神，就構成了強有力的伏筆。雖然答案要到片尾才有交代，然而他的一往情深，與他在執法過程中的挫敗，都構成了他所以會形容憔悴的強而有力的心理背景，也讓他在見到了鄭伊健的妻子李心潔時，才會把這位長頭髮的女孩看成是自己的舊愛，也才會去跟蹤，也才有了決戰（但是他的跟監位置是個敗筆，李心潔看得到他，鄭伊健卻看不到？），也才有李心潔在雨夜中回答他的十年相思時說：「我也找了你十年。」的那種迷離錯愕，構成了完全錯覺。
電影中，郭富城最精彩的戲份當屬吳彥祖告訴他真相，頓時心如刀割，一臉錯愕，一滴淚以極慢速度從眼式中悄悄滑落的場景，哀莫大於心死的他，坐在駕駛座上的他，無力再踩煞車，整部車子就從斜坡往後滑去，後車避閃，最後卻無可避免地輪轉碰撞的那場驚心動魄戲，絕望的人生在這個完全顛覆了正常人生的運動線條下，有了強力的影像論述，也讓他的心痛有了不言可諭的感染力。
《三岔口》的郭富城表現是稱職的，但是陳木勝的場面調度，卻是使得郭富城得能脫離動作境界，多了內心層次的關鍵所在。郭富城得能封帝，他是盡了全力，然而導演陳木勝卻是首要功臣的。
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精彩球賽，最後的關鍵時刻最叩人心弦；好看的電影，結尾高潮戲的處理手法也是大學問。
喜歡籃球的球迷，大概都不會忘記2004年五月十四日，湖人隊在最後0.4秒擊敗馬刺隊的瘋狂戰役。
那場戰役，湖人一路領先，第三節最多還領先了十六分，但是打到終場前0.4秒馬刺隊卻追了上來，以七十三比七十二超前湖人隊。只剩0.4秒，只輸一分，很多人應該都認了，沒勁了，也不拚了，但是那一年，湖人隊的費雪卻不信邪，球才到手，立刻轉身後跳，在第一時間出手，球才出手，時間已到，然而結果球兒應聲入網，裁判判定球進算，湖人隊贏得好險，卻也好過癮。
人生就像球賽一樣，不到最後槍響，結果都有可能改變。
在結尾高潮時分，調調觀眾胃口，其實就是很有趣的學問。
扭轉乾坤，反敗為勝是最容易討喜的戲劇手法，在1977年轟動台灣的籃球運動電影《一對一（One On One )》就讓我們看到一直備受教練打壓的高中天才球星羅比．班遜 （Robby Benson）終於有機會上場時，果然就怎麼投怎麼進，保住了自己的大學獎學金，也享受了美麗的愛情。羅比．班遜在最後關鍵的每一次投籃動作都緊緊扣住觀眾的心，大家只巴望著他進球，神準成為大家的共同心願。
春節假期，因為孩子的關係，看到了山繆．傑克森主演的《卡特教頭（Coach Carter）》，這不是什麼了不起的運動勵志電影，雖然是根據真人實事改編，描寫美國加州瑞奇蒙一位黑人籃球教練，不忍見學弟只會打球，不會唸書，最後更因升不上大學，高中畢業後只能鬼混，鬱卒一生，所以一方面嚴格要求學生練球，一方面則是督促大家一定要兼顧學業，最後甚至為了要求球員的學業表現，不惜封鎖體育館不讓球員練球，最後自然是球員認同他的理念，大家重回球場，挑戰加州冠軍隊，而且也是第三節還輸了十三分，最後八秒鐘竟然反而領先了一分，可是對手還有八秒鐘的反攻時間…
這八秒鐘就是《卡特教頭》的最後高潮，對方進了，主角就輸了。結果呢？對不起，我必需洩露劇情：最後半秒鐘內，真的歷史就完全不一樣了。
勵志電影會鼓勵勝利英雄？還是失敗英雄？
答案其實要看創作動機，然而不落俗套，讓人意想不到的結果，才是漂亮的戲劇手法。
如果主角真的贏了，你一定會大叫：「吼，我就知道！」那是很能討好觀眾的傳統手法，然而贏歸贏，硬是被你料中結果的發展，卻又不是那麼讓你服氣的。
只有主角輸了，你才會思考：「為什麼會這樣？主角要怎麼走下去？」
是的，能讓觀眾錯愕，進而思考，才會有更多的體會。《卡特教頭》要在四個月之內把一所爛高中球隊改頭換面真的很不容易，能夠打入加州決賽已經是奇蹟了，而且電影的目的不是在傳達籃球奇蹟，而是傳達另一種教育觀念：「讓孩子自由伸展比較好？還是用紀律和方法適時引導，讓他們得能術德兼修更好？」加上電影又是根據真人實事改編，輸贏既要忠於史實，所以讓創意更能發揮就益形重要了。
從電影結尾高潮戲的處理手法，可以看到創作者的企圖心，也是很有趣的人生啟示錄。
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一個曾經是反攻跳板的前線堡壘，一個軍事統治的基地，一個為了自保，為了政權，說過許多善意謊言（或者惡質謊言）的地方：例如傳單有毒，例如反共必勝，建國必成……謊言有大有小，形式不一，本質卻是一樣的。瞿友寧在電影片尾時，讓我們看見了阿寶和光良兩家四口坐在舢板上晃盪前行，海和陽光就照映著他們的臉龐，他們結伴出遊了嗎？他們共結連理了嗎？鏡頭慢慢拉遠了開來，他們只是陸地行舟，船尾有三個阿兵哥賣力地搖著船，搖得徐，就像是海上輕揚；搖得疾，就像乘風破浪，電影是錯覺的藝術，記憶和謊言同樣也是錯覺的藝術。
